Líquido Vermelho

“Entre a palavra pênsil e a escuta porosa”

2011-09-30T13:56:00.000-07:00

Um olhar sobre o que não pode ser visto. No Memorial Meyer Filho, mostra individual de Raquel Stolf investiga o som e a palavra

Abre no dia 5 de outubro, às 19h, no Memorial Meyer Filho, a exposição “Entre a palavra pênsil e a escuta porosa”, individual da artista catarinense radicada em Florianópolis Raquel Stolf.

As obras investigam relações entre conceitos e situações de escuta e processos de escrita e leitura, apresentando obras sonoras que se desdobram em textos, desenhos, instalações, vídeos, intervenções ou ainda em outras proposições sonoras. As obras estão agrupadas ou a serem agrupadas em discos. Trata-se de alguns dos trabalhos desenvolvidos pela artista durante o

doutorado em Artes Visuais realizado na Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), entre 2007 e 2011.

Os trabalhos propõem pensar usos pênseis da palavra pela ficção e pelo paradoxo, e a escuta como laboratório onde podem acontecer ressonâncias e deslocamentos entre sons, textos e contextos. São tentativas de perceber ruídos mínimos imersos em massas de barulhos, propondo-se interrupções para escutar desde o ruído de um grilo ou de uma cigarra até os sons-sussurros quase imperceptíveis de aberturas de embalagens fechadas a vácuo.

Raquel Stolf é natural de Indaial. Artista plástica, pesquisadora e professora no curso de Artes Visuais da Universidade do Estado de Santa Catarina (Udesc), onde desde 2003 coordena a publicação experimental coletiva “Sofá”, realizou algumas exposições individuais, como “Entre a palavra pênsil e a escuta porosa” (Porto Alegre, 2011), “Barulho, ruído, rumor” (Londrina, 2010), “Projeto secreto ] estadias instáveis” (Criciúma, 2005), “FORA [DO AR]” (Florianópolis, 2004), “Lista de coisas brancas” (Lages, 2004), “Espaços em branco” (Florianópolis, 2002) e “Ruídos do branco” (Porto Alegre, 2002).

Entre suas exposições coletivas mais recentes, “Até ½ kg” (Londrina, 2011), “In-Sonora – VI

Muestra de Arte Sonoro e Interactivo” (Madri, 2010), “Transónica + In-Sonora” (Guanajuato,

México, 2010) e “Cadernos de Desenho” (Joinville, 2010). Participa dos grupos de pesquisa do CNPq “Veículos da Arte” (UFRGS) e “Proposições artísticas contemporâneas e seus processos experimentais” (Udesc). Publicou os discos “FORA [DO AR]” (2004), “Lista de coisas brancas” (2001) e “Assonâncias de silêncios” (2010). Lança em breve o disco “Céu da boca”.

Evento: Abertura da exposição “Entre a palavra pênsil e a escuta porosa”, de Raquel Stolf

Onde: Memorial Meyer Filho – Praça XV de Novembro, 180, Florianópolis

Quando: 5 de outubro de 2011, às 19h

Visitação: De segunda a sexta-feira, das 10h às 18h, até 28 de outubro

Quanto: Gratuito

Palavra-migalha

Fotografia

Raquel Stolf, 2001

Grilo [relato B.]

Detalhes de frames de vídeo

Raquel Stolf, 2008

Cigarra

Detalhe de frames de vídeo (por Helder Martinovsky)

e mapa com trajeto do passeio sonoro

Raquel Stolf, 2008

Cigarra

2008

Detalhe de frames de vídeo (por Claudia Zimmer)

e mapa com trajeto do passeio sonoro

Raquel Stolf, 2008

Céu da boca

Detalhes e vista de instalação sonora na exposição individual Barulho, ruído, rumor, na Casa de Cultura UEL / Artes Plásticas, Londrina 2010

Detalhes e vista de instalação sonora na exposição individual Entre a palavra pênsil e a escuta porosa, na Pinacoteca Barão de Santo Ângelo, Porto Alegre, 2011

Raquel Stolf, 2010

Curatoria Forense

2011-05-04T16:53:00.000-07:00

Curatoría Forense realizará sua 5ª residência internacional de arte contemporânea - em formato de acampamento de verão - com uma agenda de conversações, elaboração de trabalho e diversão.

Esta residência se dedica a debate, investigação e produção de intervenções em espaços públicos. Isso inclui trabalho colaborativo entre os participantes - relacionados as espaços públicos e privados com acessibilidade aberta ao público – acompanhada de registros fotográficos, audiovisual e textual.

Esta residência esta destinada a artistas visuais contemporâneos, historiadores e pesquisadores de arte, curadores, gestores e outros agentes culturais.

A participação acontece por convite e por convocatória aberta e pública. O Período da convocatória é de 01 a 31 de maio de 2011.

Os selecionados serão comunicados entre os dias 6 e 10 de junho, para confirmarem sua participação.

Chassis Ajardinados >> Nara Milioli

2011-05-04T12:18:00.000-07:00

No dia 12 de maio, quinta-feira, às 19h30, o Memorial Meyer Filho promoverá a abertura da exposição individual da artista Nara Milioli em Florianópolis, intitulada Chassis Ajardinados. A exposição apresentará um conjunto de trabalhos iniciados no período do doutorado em Poéticas Visuais/USP, e que agora são apresentados ao público. O Jardim foi pesquisado como um dispositivo de padronização e artificialidade do espaço, que constituem paisagens aqui denominada de “paisagem clichê”. Além disso, haverá uma mesa com anotações, projetos e processos que a artista acumulou durante sua pesquisa, e que descrevem as experiências da produção destas imagens poéticas, em que está expresso um pensamento sobre a construção da paisagem.

A paisagem clichê que Nara Milioli se refere é aquela provida como uma segunda natureza, uma paisagem que surge como um parque temático, uma paisagem de simulações, de roteiros turísticos, cenários pré estabelecidos, uma paisagem acometida por esse processo de superficialização, onde "tudo é imagem", tudo perde a produção de sentidos, “o mundo se converte num cenário, os indivíduos em personagens”.

Segundo a artista: “Quero questionar as oscilações do corpo na paisagem, como ele se comporta em situações de contato com a natureza. Porque o jardim muitas vezes aparece como o estereótipo de uma paisagem que é construída como ornamento e não como um espaço para se relacionar. É importante falar também que esse ornamento segue um modelo, um padrão que se repete. Um exemplo disso são os jardins das casas de Jurerê Internacional em Florianópolis.” Nara Milioli irá apresentar uma seleção de imagens feitas em Jurerê, mostrando um pouco dessa uniformização e padronização, através da fotografia.

Sobre a artista:

Nara Milioli nasceu em Criciúma-SC, vive e trabalha em Florianópolis-SC. Artista-professora do Centro de Artes da Universidade do Estado de Santa Catarina – UDESC. Doutora em Poéticas Visuais pela Escola de Comunicação e Artes - ECA/USP, em São Paulo. Investiga os conceitos acerca da paisagem clichê, por meio de uma pesquisa da sensação em processos criativos com meios de produção de imagens, fotografias, fotos-instalações, publicações, intervenções urbanas e ações.
Exposições recentes: Individual: 2006 - Paisagem do tempo, Galeria Fundação Cultural de Criciúma-SC. Coletivas: 2007- Amor - leve com você - Exposição Portátil (livro de bolso); 2006 - 1 Triz, Sala Vento Sul - Museu Hassis; PF - Exposição Portátil – espaço de performação; Proposições de insistÊncia prática, Sede da Fundação Franklin Cascaes – Forte Santa Bárbara – Florianópolis-SC; 2003-2006 - Worklab – Projeto coletivo com Daniel Acosta e Traplev, Florianópolis-SC. Curadorias: 2007 - Projeto Contramão n. 10 Observatório Móvel de Paisagem, mostra de vídeos - residência da artista e terminal de ônibus TICEN, publicação Recibo 10 Observatório Móvel - Florianópolis – SC. Prêmios e Bolsas: 2007 – Bolsa para realizar o Taller Internacional de Paisaje em Murcia-Espanha com Joan Fontcuberta; 2005 - Bolsa para capacitação Proped/UDESC; 1994 - Edital Catarinense de Artes Plásticas, Fundação Catarinense de Cultura - Florianópolis-SC; 1993 - Salão Catarinense de Artes Plásticas, MASC – Florianópolis-SC.

O quê: Abertura da exposição Chassis Ajardinados de Nara Milioli.
Onde: Memorial Meyer Filho.
Endereço: Praça XV de novembro, 180, 2º andar.
Abertura: 12 de maio de 2011, às 19:30h.
Horário para visitação: 10:00 às 18:00 horas - de 13 de maio a 13 de junho de 2011.
Ação Educativa: Será realizado um trabalho de Ação Educativa, atendendo à escolas, associações ou grupos de pessoas interessadas. Para maiores informações e agendamento, entrar em contato com Fernando Weber no telefone: (48) 8437 8972 ou email: fernandoweberimf@gmail.com.

MOMA

2011-02-20T04:36:00.000-08:00

Trabalho bem humorado que recebi hoje, por e-mail, do artista Cláudio Trindade .

Livro: Intervalo, respiro, pequenos deslocamentos – ações poéticas do Poro

2011-02-18T05:06:00.000-08:00

Alguns trabalhos do PORO

Enxurrada de letras. 2004

, imagem...cor. 2003

Premiado pelo Programa Brasil Arte Contemporânea da Fundação Bienal de São Paulo e Ministério da Cultura, o livro “Intervalo, respiro, pequenos deslocamentos” apresenta o conjunto da produção artística, intervenções urbanas e proposições políticas realizados pelo Poro entre 2002 e 2010.

O Poro é uma dupla de artistas composta por Brígida Campbell e Marcelo Terça-Nada! que desenvolve intervenções urbanas e ações efêmeras no Brasil e exterior. A partir de suas ações opera nos sistemas de comunicação, circulação e trocas simbólicas realizados nas cidades. Atuando tanto no espaço institucional quanto no espaço não institucional, reconhece o espaço público como lugar de convívio e campo ampliado para a articulação de proposições artísticas.

O livro pretende relacionar essa produção a uma discussão ampliada sobre ações artísticas que promovem a percepção sobre o espaço público, cidade, patrimônio, memória, trabalho colaborativo, inserções artísticas em espaços não institucionais e relações entre arte e política.

Além de uma extensa coleção de imagens dos trabalhos da dupla, o livro traz uma série de textos inéditos, escritos por diversos autores, que contribuem com olhares e transbordamentos vindos de diferentes áreas: arquitetura, urbanismo, poesia, comunicação, história social, ativismo, artes visuais. Assinam os textos: Daniela Labra (pesquisadora e curadora – Rio de Janeiro), André Mesquita(pesquisador e ativista – São Paulo), Newton Goto (artista, pesquisador e curador – Curitiba), André Brasil (pesquisador da área de comunicação – Belo Horizonte) , Wellington Cançado & Renata Marquez (arquitetos, curadores e pesquisadores – Belo Horizonte), Anderson Almeida (escritor – Belo Horizonte), Luiz Carlos Garrocho & Daniel Toledo (pesquisadores e criadores cênicos – Belo Horizonte), Ricardo Aleixo (poeta, curador e ativista cultural – Belo Horizonte).

Para comprar, entrar no site:

http://poro.redezero.org/livro/

LUGAR. Individual de Fernando Weber no Memorial Meyer Filho.

2011-01-14T06:11:00.000-08:00

Biblioteca

Ninho

S/ Título

Posterioris Ana Mendieta

LUGAR

O Memorial Meyer Filho abre sua agenda de 2011 com a primeira exposição individual de Fernando Weber, que será composta por trabalhos desenvolvidos a partir de 2007. Inéditos, eles fazem parte de uma série de ações realizadas, sobretudo, em dois lugares distintos: um jardim de terra com plantas e buracos que, vez ou outra, se configura como um canteiro de obras, e uma pedreira de quatro andares abandonada, com lagos formados pela chuva.

Os vídeos e as fotografias da exposição, documentam ambientes que se modificam diariamente com o tempo e com as ações do artista. As pesquisas realizadas por Fernando envolvem deslocamento, paisagens inóspitas, mimese e mimetismo. Como um eremita, Weber se distancia do comum para achar um lugar que fala, uma espécie de espaço esquizo. Para o artista, a imagem, seja ela estática ou em movimento, só pode existir de acordo com as leis do próprio lugar escolhido como cenário para as ações performáticas.

Ao todo, serão apresentadas 32 obras de uma mesma série de trabalhos, de forma que a exposição pode ser interpretada como uma composição. Interessa a relação do lugar com o corpo do artista e os materiais que ele leva consigo para realizar ações, na intenção de dar corpo ao espaço.

Para a artista Teresa Siewerdt, “os lugares, como refúgios cenográficos, permitem que o corpo ali se insira e realize suas ações, ações estas que o artista caracteriza como entrópicas, no sentido que aumentam o número de microestados, ou seja, configurações acessíveis ás partículas do sistema. Interessa então o fenômeno que ocorre no interior dos enquadramentos do vídeo e da fotografia, o embate entre o corpo e o lugar no qual ele se situa”.

Apoio: Museu Victor Meirelles e Fundação Badesc.

Aguardamos você com a clássica Travessa Ratclif a posteriori!

Atenciosamente,

Memorial Meyer Filho

Sandra Meyer

Presidente do Instituto Meyer Filho

Kamilla Nunes

Diretora de Arte do Instituto Meyer Filho

O quê: Exposição LUGAR, do artista Fernando Weber.

Onde: Memorial Meyer Filho.

Quando: Dia 19 de janeiro, às 19h.

Visitação: De segunda a sexta, das 13h às 19h.

Quanto: Gratuito.

Contato: Fernando Weber (48 88282908) / manesweber@yahoo.com.br

O Instante da Minha Morte. Maurice Blanchot

2011-01-11T17:13:00.000-08:00

Paguei esse texto em Euros + o transporte, pela internet. Chegou e levei um susto, tinha apenas 20 páginas. Infelizmente ainda não existe no Brasil, mas digitei e, aqui está aos que interessarem!

BLANCHOT, Maurice. O instante da minha morte. Porto: Campo das Letras, 2003.

Recordo-me de um jovem – de um homem ainda jovem – impedido de morrer pela própria morte – e talvez por erro da injustiça.

Os Aliados tinham conseguido instalar-se em solo francês. Já vencidos, os Alemães lutavam em vão com uma ferocidade inútil.

Numa casa enorme (o Castelo, assim a chamavam), bateram timidamente à porta. Sei que o jovem a foi abrir aos hóspedes que muito provavelmente pediam socorro.

Desta feita, gritaram: <>.

Um tenente nazi, num francês vergonhosamente normal, mandou sair primeiro as pessoas mais velhas, e a seguir duas jovens.

<>. Berrava ele agora. O jovem nem sequer tentava fugir, antes avançava lentamente, de um modo quase sacerdotal. O tenente abandonou-o, mostro-lhe cartuchos, balas, tinha manifestamente havido combate, o solo era um solo marcial.

O tenente tartamudeou numa linguagem estranha e, colocando diante do nariz do homem, já menos jovem (envelhece-se depressa) os cartuchos, as balas, uma granada, gritou com clareza: <>.

O nazi alinhou os seus homens para, de acordo com as regras atingirem o alvo humano. O jovem disse: <>. Ou seja: a tia (de 94 anos), a mãe mais nova, a irmã e a cunhada, um longo e lento cortejo, silencioso, como se tudo estivesse já consumado.

Sei – sabe-lo-ei – que aqueles que os alemães já tinham na mira, não esperando senão a ordem final, experimentou então um sentimento de leveza, uma espécie de beatitude (nada, porém, que se parecesse com felicidade) – alegria soberana? O encontro da morte e da morte?

No seu lugar, não tentarei analisar este sentimento de leveza. De repente, ele era talvez invencível. Morto – imortal. Talvez o êxtase. Ou antes o sentimento de compaixão pela humanidade sofredora, a felicidade de não ser imortal nem eterno. Doravante, ficou ligado à morte, por uma amizade sub-reptícia.

Nesse instante, brusco retorno ao mundo, flagrou o barulho considerável de uma batalha próxima. Os camaradas do resistente queriam socorrer aquele que sabiam em perigo. O tenente afastou-se para se aperceber do que se passava. Os Alemães continuavam alinhados, prontos a permanecer assim numa imobilidade que suspendia o tempo.

Mas eis que um deles se aproximou e disse com uma voz firme: <>, e numa espécie de riso: <>, e fez-lhe sinal para desaparecer.

Creio que ele se afastou, sempre com o mesmo sentimento de leveza, até que se encontrou num bosque afastado, chamado <>, onde permaneceu abrigado pelas árvores que conhecia bem. É no bosque denso que de repente, e sabe-se lá depois de quanto tempo, ele reencontrou o sentido real. Em redor, incêndios, uma linha de fogo contínuo, todas as quintas ardiam. Um pouco mais tarde, veio a saber que três jovens, filhos agricultores de todos alheios a qualquer combate, e cujo único senão era a sua juventude, tinham sido abatidos.

Até os cavalos inchados, na estrada, nos campos, atestavam uma guerra que tinha sido longa. Mas, na realidade, quanto tempo tinha passado? Quando o tenente voltou e se apercebeu do desaparecimento do jovem castelão, por que razão a cólera, a raiva, não o terão levado a queimar o Castelo (imóvel e majestoso)? Porque era o Castelo. Na sua fachada estava escrita, como uma recordação indestrutível, a data de 1807. Seria ele suficientemente culto para saber que era o ano famoso de Iena, quando Napoleão, no sei cavalinho cinzento, passava por baixo das janelas de Hegel que nele reonheceu <>, tal como o escreveu a um amigo? Mentira e verdade porque, como Hegel escreveu a outro amigo, os Franceses pilharam e saquearam a sua casa. Mas Hegel sabia distinguir o empírico e o essencial. Nesse ano de 1944, o tenente nazi teve pelo Castelo o respeito ou a consideração que as quintas não suscitavam. No entanto vasculharam tudo. Levaram algum dinheiro; numa divisão separada, <>, o tenente encontrou papéis e uma espécie de manuscrito espesso – que continha talvez planos de guerra. Finalmente partiu. Tudo ardia. Exepto o Castelo. Os Senhores tinham sido poupados.

Começou sem dúvida então o tormento da injustiça para o jovem. Fim do êxtase; o sentimento de que só estava vivo porque, mesmo aos olhos dos Russos, pertencia a uma classe nobre.

Era isto, a guerra: a vida para uns, para outros a crueldade do assassinato.

Permanecia todavia, como no momento em que o fuzilamento estava iminente, o sentimento de leveza que não conseguirei traduzir: liberto da vida? O infinito que se abre? Nem felicidade, nem infelicidade. Nem a ausência do temor e talvez já o passo/não passo para –além. Sei, imagino que este sentimento inanalisável mudou o que lhe restava de existência. Como se a morte fora dele não pudesse doravante senão embater contra a morte nele. <>

Mais tarde, quando voltou a Paris, encontrou Malraux. Este contou-lhe que tinha sido feito prisioneiro (sem ter sido reconhecido), que linha logrado evadir-se, perdendo embora um manuscrito. <> Com Paulhan, ordenou buscas que não podiam ser senão vãs.

Quer importa. Apenas permanece o sentimento de leveza que é a própria morte ou, para o dizer mais precisamente, o instante da minha morte doravante sempre iminente.

VILÉM FLUSSER Filosofia da Caixa Preta

2011-01-11T17:06:00.000-08:00

O glossário já é um texto. Deixo-os apenas com ele.

GLOSSÁRIO PARA UMA FUTURA FILOSOFIA DA FOTOGRAFIA

Aparelho: brinquedo que simula um tipo de pensamento.

Aparelho fotográfico: brinquedo que traduz pensamento conceitual em fotografias.

Autômato: aparelho que obedece a programa que se desenvolve ao acaso.

Brinquedo: objeto para jogar.

Código: sistema de signos ordenado por regras.

Conceito: elemento constitutivo de texto.

Conceituação: capacidade para compor e decifrar textos.

Consciência histórica: consciência da linearidade ( por exemplo, a causalidade).

Decifrar: revelar o significado convencionado de símbolos.

Entropia: tendência a situações cada vez mais prováveis.

Fotografia: imagem tipo-folheto produzida e distribuída por aparelho.

Fotógrafo: pessoa que procura inserir na imagem informações imprevistas pelo aparelho fotográfico.

Funcionário: pessoa que brinca com aparelho e age em função dele.

História: tradução linearmente progressiva de idéias em conceitos, ou de imagens em textos.

Idéia: elemento constitutivo da imagem.

Idolatria: incapacidade de decifrar os significados da idéia, não obstante a capacidade de lê-la, portanto, adoração da imagem.

Imagem: superfície significativa na qual as idéias se inter-relacionam magicamente.

Imagem técnica: imagem produzida por aparelho.

Imaginação: capacidade para compor e decifrar imagens.

Informação: situação pouco-provável.

Informar: produzir situações pouco-prováveis e imprimi-las em objetos.

Instrumento: simulação de um órgão do corpo humano que serve ao trabalho.

Jogo: atividade que tem fim em si mesma.

Magia: existência no espaço-tempo do eterno retorno.

Máquina: instrumento no qual a simulação passou pelo crivo da teoria.

Memória: celeiro de informações.

Objeto: algo contra o qual esbarramos.

Objeto cultural: objeto portador de informação impressa pelo homem.

Pós-história: processo circular que retraduz textos em imagens.

Pré-história: domínio de idéias, ausência de conceitos; ou domínio de imagens, ausência de textos.

Produção: atividade que transporta objeto da natureza para a cultura.

Programa: jogo de combinação com elementos claros e distintos.

Realidade: tudo contra o que esbarramos no caminho à morte, portanto, aquilo que nos interessa.

Redundância: informação repetida, portanto, situação provável.

Rito: comportamento próprio da forma existencial mágica.

Scanning: movimento de varredura que decifra uma situação.

Setores primário e secundário: campos de atividades onde objetos são produzidos e informados.

Setor terciário: campo de atividade onde informações são produzidas.

Significado: meta do signo.

Signo: fenômeno cuja meta é outro fenômeno.

Símbolo: signo convencionado consciente ou inconscientemente.

Sintoma: signo causado pelo seu significado.

Situação: cena onde são significativas as relações-entre-as-coisas e não as coisas-mesmas.

Sociedade industrial: sociedade onde a maioria trabalha com máquinas.

Sociedade pós-industrial: sociedade onde a maioria trabalha no setor terciário.

Texto: signos da escrita em linhas.

Textolatria: incapacidade de decifrar conceitos nos signos de um texto, não obstante a capacidade de lê-los, portanto, adoração ao texto.

Trabalho: atividade que produz e informa objetos.

Traduzir: mudar de um código para outro, portanto, saltar de um universo a outro.

Universo: conjunto das combinações de um código, ou dos significados de um código.

Valor: dever-se.

Válido: algo que é como deve ser.

Espaço Margeado

2010-12-21T11:31:00.001-08:00

Trabalho de conclusão de curso concluído e comemorado. O pdf. abaixo não contém as capas, tampouco a conclusão. O motivo é que na capa foi realizada uma interferência de cinco artistas convidados: Adriana dos Santos, Augusto Benetti, Giorgio Filomeno, Priscilla Menezes e Ricardo Mari. Já a conclusão, é uma obra em suporte adesivado. A frase escrita é "Todos os espaços são suspeitos", da artista Teresa Siewerdt.

* A encadernação e fotografia do trabalho é de Márcia Regina Sousa.

Espaço margeado final4

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“Las imágenes son un espacio de lucha” - Didi-Huberman

2010-12-21T09:22:00.000-08:00

Entrevista con Georges Didi-Huberman, historiador del arte y profesor en la École des Hautes Études en Sciences Sociales de París

Amador Fernández-Savater

Público

Georges Didi-Huberman es historiador del arte y profesor en la École des Hautes Études en Sciences Sociales de París. Autor de Cuando las imágenes toman posición (Antonio Machado, 2008) y comisario de la exposición Atlas. ¿Cómo llevar el mundo a cuestas?, que puede visitarse actualmente en el museo Reina Sofía. Su último libro, que se titula Supervivencia de las luciérnagas, entabla una discusión con las visiones apocalípticas de Pasolini o Agamben sobre el mundo contemporáneo.

Gilles Deleuze explicaba que la imagen-cliché nos obliga a ver las cosas como debemos verlas y no como podríamos verlas. ¿Cómo liberarnos de la cadena de los estereotipos? ¿Qué imágenes pueden ayudarnos hoy a ver nuestra realidad y a pensar el mundo?

Hablas de dos formas contemporáneas de ceguera e invisibilidad.

Sí, la primera es por falta de luz, la llamo subexposición. La segunda es por exceso de luz, la sobreexposición. Jean-Luc Godard ha dicho algo muy cierto: creemos que podemos verlo todo, pero en realidad se invisibilizan miles de cosas. En la televisión y en la gran industria del espectáculo existe una censura de las imágenes. Tomemos como ejemplo el 11 de septiembre: se censuraron muchísimas imágenes (de los cadáveres, etc.). Pero junto a la censura, también se da el fenómeno de la sobre-exposición: hemos contemplado tantas imágenes de las dos torres que ya no vemos nada. Y cada imagen nos exige ser vista , no sólo contemplada una y otra vez.

¿Es posible a estas alturas una resistencia a través de la imagen?

Hay una saturación de imágenes, una sobreexposición de imágenes que nos impiden ver, y que además oculta la subexposición de la censura. Ante eso hay quien dice: “las imágenes no son otra cosa que un reflejo del poder y de la sociedad del espectáculo”. Es por ejemplo el caso de Guy Debord, que paradójicamente componía luego en sus películas asombrosos atlas de imágenes. Esta no es desde luego mi posición. Imaginemos que en lugar de imágenes hablamos de palabras: estamos completamente rodeados del lenguaje del poder, el lenguaje televisivo, el lenguaje del mercado, etc. ¿Acaso entonces no podemos hablar? ¿Acaso porque desde Goebbels hasta Sarkozy el lenguaje se emplee para mentir debemos dejar de usar el lenguaje? En absoluto, hay que usar el lenguaje de manera correcta, eso es todo. Devolver al lenguaje su fuerza, devolver a las palabras su sentido. Con las imágenes ocurre lo mismo: son un espacio de lucha. En la polémica entre Godard y Lanzmann, yo estoy evidentemente al lado de Godard, porque Godard piensa que debemos hacer un uso de las imágenes como arma, con un sentido político.

¿Cómo podemos orientarnos críticamente en las imágenes?

¿Sabes que tu pregunta es una cita literal de Kant, verdad? “Cómo orientarse en el pensamiento”. Tu me preguntas cómo orientarnos en las imágenes. Es una pregunta general. Si yo te doy una respuesta general, significaría que sé lo que es una imagen en general. Pero eso no es verdad. No puedo responder a tu pregunta en general, porque orientarse en las imágenes significa orientarse en cosas muy concretas, sensibles, particulares, múltiples, singulares. Soy muy escéptico con respecto a toda generalización sobre las imágenes, a toda ontología de la imagen. Es lo que reprocho a Barthes. He usado la palabra “imagen” en singular y en general en el título de alguno de mis libros, pero considero que lo mejor es decir “las imágenes” o “esta imagen” o “estas dos imágenes”. Sólo puedo darte ejemplos. Cuando trabajo sobre la pintura del Renacimiento me oriento de una manera y cuando estoy ante imágenes de Auschwitz me oriento de un modo diferente. No hay que perder nunca de vista la singularidad de las imágenes y la multiplicidad: nunca hay una imagen, sino imágenes. Pasa como con las palabras: me oriento diferente si escribo un poema que si escribo un discurso político o filosófico. Depende del uso, de la singularidad.

Está bien, entonces ¿me puedes dar ejemplos de imágenes críticas, políticas, emancipadoras?

Hay centenares, empezando por Goya. Pero hablaré ahora de Brecht. Brecht tomaba imágenes de contextos que detestaba (por ejemplo, la revista Life) recortando la imagen y la leyenda. Por ejemplo, una foto de la guerra cuyo pie decía: “un soldado americano mata a un soldado japonés”. Pegaba todo eso sobre un fondo negro y añadía un segundo texto, el suyo. Su texto dialectizaba la relación entre el texto y la imagen, es decir, criticaba tanto al uno como a la otra. Mostrando por ejemplo que no se trataba sólo de un soldado americano que había matado a uno japonés, sino que ambos eran soldados de imperialismos en guerra y que la verdadera víctima del enfrentamiento era el pueblo. Para mí, el buen uso de la imagen es el buen montaje.

¿Y cuál es el efecto general del buen montaje?

El de establecer una relación crítica entre la imagen y la palabra que ayuda a ambas a escapar de la cadena de los estereotipos. Mediante el montaje, dos imágenes que no estaban relacionadas asumen una posición diferente y así se propicia una mirada crítica. Es la diferencia que hago entre las imágenes que toman partido y las imágenes que toman posición: las primeras tienen un sentido obvio, las segundas son críticas. Desd e Godard hasta Farocki, todo pasa por montar bien las imágenes, aunque sean imágenes detestables.

¿Qué más podrías decirnos sobre esa relación crítica entre imagen y palabra?

Tengo una experiencia que se repite. Estoy en un museo o donde sea y me encuentro con una imagen que me interesa. Y en ese momento no tengo nada qué decir, no hallo las palabras, soy incapaz de lenguaje, es un momento de silencio, la imagen tiene el poder de privarme de mi lenguaje. Si me quedo ahí me convertiré en un místico de las imágenes, como hay muchos. Pero para mí el desafío es que la imagen me obligue a renovar mi lenguaje. Naturalmente, ese lenguaje renovado será crítico con respecto al primer lenguaje espontáneo ante la imagen.

¿En qué sentido?

Trabajo por ejemplo desde hace algunos años sobre el tema de la lamentación. Si uno ve en un periódico la imagen de una mujer en Bagdad que llora no muy lejos de un coche en llamas, pues ahí ya no hay nada más que pensar o añadir. Porque la imagen lo dice todo: terrorismo, Al Qaeda, desgracia, víctima. Esa es justamente la definición de estereotipo: una imagen obvia. Hay que dejar de mirar a través de esa imagen obvia, mirar desde más lejos, estudiar la historia. Y lo que encuentre uno entonces será crítico con respecto a aquello que había visto al principio. Farocki ha demostrado en una de sus películas de qué modo los gestos religiosos, como por ejemplo la lamentación, pueden tener una función revolucionaria. Esa mujer que llora quizá sabe por qué llora y contra qué llora. No es una víctima pasiva. Su emoción da lugar a la cólera política.

¿Lo que dices entonces es que no basta con mirar?

Nadie sabe mirar, no es algo dado. Mirar es un trabajo, largo y duro. Cada imagen nueva requiere un trabajo nuevo, reaprender a ver y a hablar. Hay que respetar que las cosas aparecen siempre de manera diferente y verlas de manera cada vez diferente. Para describir cada nueva imagen hay que tener cada vez un estilo diferente. Si tienes el mismo estilo para describir imágenes distintas, ves de la misma manera cosas diferentes. Es la cuestión de la escritura: no sé si se aprecia en castellano, pero yo siempre escribo cada libro de manera muy diferente.

¿Qué quieres decir cuando afirmas que “las imágenes tocan lo real”?

La relación entre imagen y realidad es un debate filosófico que se remonta a la discusión entre Platón y Aristóteles. Platón pensaba que las imágenes forman parte del mundo sensible y por tanto no pueden decirnos la verdad sobre las cosas, porque la verdad pasa por el mundo de las ideas. Suya es la distinción entre apariencia (imagen) y esencia (verdad). La verdad de la taza es la idea de taza, no lo que tu miras, ni lo que tu tocas. Hoy muchos platónicos (antes citaba a Debord) piensan que la imagen sólo es un simulacro, una pantalla, una mentira.

Por el contrario, Aristóteles dice que nadie puede pasarse de las imágenes para pensar. El pensamiento también hace imágenes, no se puede pensar sin imágenes. Yo soy aristotélico. Pienso que una imagen, incluida una fotografía, es un “medium”, no exactamente la realidad. Cuando veo una imagen de Auschwitz no estoy en un campo, evidentemente. Pero lo que digo es que las imágenes tocan lo real: hay un punto en el que la imagen me indica algo que no es sólo apariencia. Distingo entre apariencia y aparición: cuando la mariposa aparece, no es una ilusión. Es justamente lo real. Si tu consigues que la imagen sea una aparición, que capte una aparición, en ese momento la imagen toca lo real. En la polémica en torno a las imágenes de los campos, la cuestión era si la foto nos enseña algo de Auschwitz o no. Para Lanzmann no nos enseña nada. Para mi tocan lo real, sin ser lo real.

http://blogs.publico.es/fueradelugar/183/las-imagenes-son-un-espacio-de-lucha

Faça algo errado; e diga que fui eu que mandei fazer

2010-11-13T11:39:00.000-08:00

Fazer algo errado e dizer que foi Jorge Menna Barreto quem mandou; enviar uma imagem para Cesare Pitrousti de algo que certamente não é arte, espremer um limão em um banco de bicicleta. O propósito se sabe (?): suscitar reflexões sobre os paradigmas da performance fora do conceito engessado e tradicional que encerra a obra em esteriótipos. Para-além de publicação, Do It, Hágalo Usted, Grapefruit, PF, Histórias de cronópios e de famas de Julio Cortázar, Fluxconcert e fluxuSemuseuSemfluxu, são espaços contendo instruções por fazer, obras completadas quando na ação do outro (?) desvirtuam, a partir da idéia de interpretação, as definições de público, de artista, de obra. Nada de imposição, o não fazer também é permitido: Eu não vou fazer nada e nem você precisa fazer, diz a instrução de Adriana Barreto. Onde está a obra? Na intenção do artista combinada com a ação do público? Na intenção do artista? Na ação do público? É obra quando não há fazer? A indefinição importa?

Exposição CASA

2010-10-18T07:48:00.000-07:00

CASA:

é um projeto que integra artes visuais, dança, teatro e música. A ideia consiste em ocupar o espaço de uma casa como lugar de exposição e performances onde os visitantes podem circular livremente experimentando um ambiente onde quase nada é estático. As performances contam com a participação de duas bailarinas e dois músicos e acontecem em duração continua sem um estabelecimento prévio de inicio ou fim, deixando a critério do publico a determinação do tempo de visita.

Mais informações no blog: http://www.expo-casa.blogspot.com/

DICIONÁRIO DE IDÉIAS FEITAS

2010-10-18T07:41:00.000-07:00

Cildo Meireles, Cláudio Trindade, João Serraglio, ERRO Grupo, Omar Piando, Rafael Campos Rocha, Ronald Polito.

Curadoria: Victor da Rosa.

Dia 05 de outubro, a partir das 19h, o Memorial Meyer Filho abre a exposição coletiva Dicionário de Ideias Feitas.

Com vídeo, objeto, instalação e texto, a exposição, que conta com seis artistas e um coletivo, tematiza principalmente o uso da escrita na arte contemporânea. Seja através de objetos que fazem alusão à escrita, com seus temas e procedimentos, ou mesmo com obras que tem como principal ferramenta o próprio texto, o gesto nominalista fica sendo o eixo de discussão. Além do mais, alguns artistas da exposição são também escritores.

Dicionário de Ideias Feitas, como se sabe, é o título de um livro inacabado de Flaubert. Nele, o escritor francês, ainda no século XIX, pretendia descrever, através de pequenos verbetes, alguns clichês da época. A apropriação de idéias feitas, alteradas e pervertidas pela ironia, será a sugestão do ready-made de Duchamp, algumas décadas depois de Flaubert.

Esta exposição, por sua vez, e não poderia ser diferente, também pretende lidar com tais questões. A ficção e a autobiografia, por isso, são duas de suas marcas. A apropriação e o clichê também. Quem se apropria, de certo modo, é um falsificador. A escrita ora se relaciona com o tempo do vídeo, ora com um objeto; sempre com alguma ficção. Por vezes também desaparece, deixando apenas o seu vestígio.

MAIS IMAGENS: Blog de Cláudio Trindade http://objectos1.blogspot.com

Bandeira branca, amo

2010-10-18T07:24:00.000-07:00

Texto de Nuno Ramos sobre o trabalho Bandeira Branca, na Bienal de SP esse ano. Vale a pena ler!

Em defesa da soberba e do arbítrio da arte

Alvo de protestos de pichadores, jornalistas e militantes da causa animal, o trabalho "Bandeira Branca", de Nuno Ramos, foi desmontado na 29ª Bienal de São Paulo, por determinação do Ibama, que o havia autorizado. O artista faz uma defesa da legalidade da obra e reflete sobre consensos e rupturas inerentes à atividade artística.

NUNO RAMOS

PROCUREI INTENCIONALMENTE matar três urubus de fome e de sede no prédio da Bienal de São Paulo. Pus ali imensas latas cheias de tinta escura, para que se afogassem, além de espelhos, para que batessem a cabeça durante o voo. Construí túneis de areia preta, para que entrassem sem conseguir sair, morrendo ali dentro. E, para forçá-los a voar, costumo lançar rojões em sua direção.

ACUSAÇÕES Como nos pesadelos ou nos linchamentos, não é possível responder a acusações desta ordem, que circularam pela internet e no boca a boca com força insaciável nas últimas três semanas, criando um caldo de cultura próximo à violência e à intimidação. Como resultado disso, em plena Bienal, entre faixas pedindo que eu fosse preso, meu trabalho foi atacado por um pichador, que driblou a segurança, rasgou a tela de proteção aos bichos e danificou uma das esculturas de areia.
Fomos cercados, eu e minha mulher, por militantes ecologistas, que nos xingavam e gritavam do outro lado do vidro do carro, a boca em câmera lenta, "a-li-men-ta-e-les!" -o que, claro, já havia sido feito naquele mesmo dia. Barbara Gancia, colunista da Folha, chegou a pedir, utilizando um imaginário de repressão militar ou de milícia fascista, que eu fosse colocado de cuecas contra um muro e submetido a uma ducha com as mangueiras para incêndio do corpo de bombeiros.
Ingrid E. Newkirk, presidente da organização não governamental Peta [pessoas pelo tratamento ético de animais, na sigla em inglês], num artigo feroz, publicado naFolha em 8/10, encontra apenas o que pressupõe desde o início: que eu quero aparecer (ela, não? alguém duvida que um dos temas da polêmica é justamente a disputa pelo espaço na mídia?); que sou (os termos são dela) cruel, "bad boy", sem compaixão e produtor de arte de má qualidade. Como não há argumentos e o raciocínio é circular, tudo retorna à ilibada consciência da articulista.
A notícia atravessou fronteiras raras para questões envolvendo arte (horários insuspeitos em todos os canais de TV, cadernos de jornal pouco afeitos à cultura e nas mais diversas regiões do país), passando a assunto de bar e padaria. Os urubus, definitivamente, haviam conseguido escapar e, para usar os versos de Augusto dos Anjos, pousaram na minha sorte.

TOM Frequento uma área da cultura afastada dessa luz radioativa, e não quero errar o tom. Começo este texto, portanto, fazendo a minha lição de casa: o que quer que tenha acontecido, aconteceu por meio das instituições. A licença do Ibama de Sergipe, que permitiu o transporte e a exposição dos animais, era legítima e dentro de parâmetros absolutamente legais, bem como sua cassação pelo Ibama de Brasília.
Tentamos, eu e a Fundação Bienal, que me apoiou de todos os modos possíveis em defesa do meu trabalho, uma liminar na Justiça e perdemos. Acatamos e tiramos, no mesmo dia em que a decisão liminar saiu, as três aves. Sinto-me coibido, injustiçado e chocado com tudo isso, mas não posso dizer que fui censurado. E por entender que a forma que destruiu meu trabalho ao tirar as três aves é legítima, quero divergir completamente dela.
Como quase nenhuma informação sensata circulou, tenho primeiro que dizer o óbvio:
1) As aves que utilizei em meu trabalho são aves nascidas em cativeiro, e não sequestradas ao habitat natural; é para este cativeiro que voltaram (e onde estão neste momento), quando foram "soltas" do meu trabalho;
2) Pertencem ao Parque dos Falcões (criadouro conservacionista que funciona com autorização do Ibama, realizando atividades educacionais e pedagógicas, pelo Brasil inteiro, com aves de rapina), que as mantêm em exposição para o público, como num zoológico;
3) Estas mesmas três aves participaram em 2008 de uma versão bastante similar deste trabalho, no Centro Cultural Banco do Brasil de Brasília, durante dois meses, adaptando-se perfeitamente ao espaço e sem nada sofrer, com plano de manejo aprovado pelo mesmo Ibama;
4) As aves foram adaptadas ao espaço da Bienal antes do início da mostra, com a presença do veterinário responsável por elas e de um tratador;
5) Esse tratador, o mesmo que cuida delas em Sergipe, ficou permanentemente com elas durante todo o tempo de exibição das aves ao público, literalmente abrindo e fechando a mostra:
6) Eram alimentadas por ele todas as manhãs, em quantidade e frequência estipuladas pelo plano de manejo;
7) O volume das caixas de som foi controlado, sendo mantido numa altura bastante inferior ao do murmúrio do público, para evitar estresse aos bichos;
8) O plano de manejo das aves, aceito pelo Ibama de Sergipe, foi revogado, já no meio da polêmica, pelo Ibama de São Paulo -mas sem recomendação de cassação. O que o laudo técnico, sério e sisudo do Ibama de São Paulo solicitava eram ajustes -basicamente, que desligássemos uma das caixas de som e que instituíssemos banhos de luz ultravioleta todas as manhãs, para suprir a falta de luz solar direta sobre os bichos (embora a luz do dia banhasse o espaço). Oferecia, ainda, uma licença de 15 dias, a ser prorrogada de acordo com a avaliação periódica sobre o bem-estar dos animais. O Ibama de Brasília, que, sob pressão política e midiática, determinou arbitrariamente a saída das aves, em desacordo com o laudo do Ibama de São Paulo, travou o que parecia ser um processo rico de colaboração entre técnicos sérios, com conhecimento sobre os animais, e um trabalho de arte;
9) Obtivemos laudo favorável do Departamento de Parques e Áreas Verdes da Prefeitura de São Paulo;
10) Técnicos do setor de aves do Zoológico de São Paulo, em vistoria ao trabalho, não manifestaram qualquer crítica específica ao manejo das aves -fiquei sabendo nesta visita, inclusive, que a jaula dos urubus era bem maior que qualquer jaula do zoológico, inclusive a do condor.

EXPIAÇÃO Por que, então, tanta confusão? Que é que está sendo expiado aqui?
Para começo de conversa, e como aproximação ao problema, quero lembrar que "Bandeira Branca" não é um trabalho de ecologia, nem eu sou especialista em aves de rapina, assim como "Guernica" de Picasso não é apenas um trabalho sobre a Guerra Civil Espanhola, nem Picasso um historiador. Por isso utilizei os serviços de uma entidade ecológica, o Parque dos Falcões, e obtive, tanto na montagem em Brasília, em 2008, quanto em São Paulo, autorização do órgão legal em meu país para esses assuntos.
Ou a lei não vale para todos? Tratar meu trabalho como crime e a mim como criminoso é fazer o que fazia a direita franquista, ao chamar "Guernica" de quadro comunista, ou a aristocracia francesa da segunda metade do século 19, quando ameaçava retalhar a "Olympia", de Manet, em nome dos bons costumes.
O que me foi negado com a criminalização do meu trabalho foi a possibilidade de um sentido -o sequestro, digamos, de qualquer sentido que ele pudesse propor. E é contra isso, mais do que contra a boataria e a calúnia, que escrevo hoje.

VALORES Arte não cabe nos bons nem nos maus valores, por mais confiança que se tenha neles. Dela emana um signo aberto, para isso foi inventada, para que fanatismos como os que ouvi nessas últimas semanas não circunscrevam completamente o possível da vida. Claro que ninguém está acima da lei, e, repito, cumprimos, artista e instituição, rigorosamente a legislação ambiental brasileira -mas é a possibilidade de pensar diferente que está sendo criminalizada aqui.
Artistas extraordinários como Joseph Beuys (por sinal, fundador do Partido Verde na Alemanha), Jannis Kounellis, Hélio Oiticica, Nelson Felix, Tunga, Cildo Meireles, utilizaram animais em suas instalações. Provavelmente o trabalho de Beuys que inclui um coiote ("I Love America and America Loves Me") seja, sem nenhum favor, uma das mais importantes obras de arte do século 20.
"Tropicália", de Hélio Oiticica, que tem araras vivas em seu interior (curiosamente, exposta há poucos meses, com as aves, no prédio do Itaú Cultural de São Paulo, na avenida Paulista, sem despertar qualquer polêmica), é um trabalho fundamental para a compreensão do que somos e do que queremos ser. Negar o que estes artistas conseguiram com seus trabalhos -uma oxigenação radical de nosso imaginário- tratando-os como criminosos certamente seria regredir a épocas de triste memória.
Posso entender quem seja contra bichos em cativeiro. Seria interessante exigir um pouco de coerência dessa posição -ou seja, vegetarianismo radical, já que a quase totalidade da carne que comemos vem de animais em cativeiro, fechamento de todos os zoológicos, jóqueis-clubes, fazendas com animais para monta e, ainda, requalificação geral de nossas relações com bichos domésticos. Mas, mais do que coerentes, gostaria que fossem suficientemente democratas para aceitar que nem todos pensem como eles, nem todos se deem o lugar de xamãs, em contato íntimo com os desejos e sensações dos animais, e que dentro das regras públicas legais de cada país o acesso a esses animais possa se dar sem histeria nem calúnias.

BANDEIRA BRANCA Como nada ou quase nada se falou sobre o trabalho, peço licença para interpretar o que eu próprio fiz, partindo de uma breve descrição. "Bandeira Branca" (este título, no meio de um bombardeio desses, é dessas coisas que só a arte explica) foi montado pela primeira vez há dois anos, no CCBB de Brasília, e agora, ampliado e modificado, recebeu uma segunda versão, especialmente para a 29ª Bienal.
O trabalho consiste em três enormes esculturas de areia preta pilada, foscas e frágeis, a partir de cujo topo, feito de mármore, três caixas de som emitem, em intervalos discrepantes, as canções "Bandeira Branca" (de Max Nunes e Laércio Alves, interpretada por Arnaldo Antunes), "Boi da Cara Preta" (do folclore, por Dona Inah) e "Carcará" (de João do Vale e José Candido, por Mariana Aydar). Três urubus vivem na instalação durante toda a duração do trabalho.
O resultado é uma cena solene, entre a litania e a canção de ninar, que me parece ter cavado, em sua montagem em São Paulo, uma espécie de buraco negro no prédio da Bienal. Acho que o vão do prédio, uma das obras mais felizes de Niemeyer, com sua velocidade e otimismo, ganhou com meu trabalho um contraponto ambivalente, noturno e encantado, triste mas também próximo do mundo dos contos de fada.
Há uma espécie de espiral ascendente no trabalho, que se desmaterializa conforme o espectador sobe a rampa do prédio e as pesadas colunas de areia se transformam na geometria de quem vê as esculturas de cima. Feito primeiro de areia, depois de mármore, depois de vidro, depois de som, depois de voo, o trabalho faz em seu percurso o mesmo que as aves, num ciclo que a chuva de fezes brancas, caindo sobre as peças e sobre o chão, inicia novamente.

ANTIPENETRÁVEL Mas o ponto crucial, acho eu, é que, apesar da monumentalidade do trabalho e da textura inacabada da areia, que solicitam o corpo do espectador, o público é mantido fora da obra, numa espécie de antipenetrável. A obra de certa forma já foi ocupada, já tem dono e por isso não podemos nos aproximar. A noite, as canções e os urubus são seus donos, e ao público resta assistir de fora a alguma coisa viva, que não precisa dele.
As canções e os bichos, forças ascensionais contra a inércia e o peso das esculturas, já tomaram conta da obra e a tela de proteção, que materializa o desenho do vão do prédio, marca essa passagem entre um exterior institucional e um interior ativo, fechado em si, mistura de cultura (canções), natureza (os urubus) e arquitetura.
As aves e as canções dão ao trabalho o seu agora, uma duração voltada para algo indiferente ao mundo lá fora. Daí que muita gente tenha me dito que se sentia observado pelas aves e não observador, dentro da grade e não fora dela. E que no meio de tanto tumulto, com certeza as três aves pareciam as únicas tranquilas.
Esta atividade interna autossuficiente está no coração deste trabalho e me acompanhou ao longo da balbúrdia destes dias difíceis. Fico feliz de perceber que de certa forma o trabalho já pressupunha isso, falava disso e defendia-se exatamente disso -queria estar consigo e não conosco, longe da barulheira que no entanto causava.

AUTOSSUFICIÊNCIA Em vez da atividade do espectador, própria de tantas das melhores obras modernas, e que encontrou entre nós uma formulação extrema na ideia dos "Penetráveis" de Hélio Oiticica, a arte contemporânea parece estar se voltando para dentro, numa autossuficiência renitente.
Não é o lugar para desenvolver isto, mas, para dar dois exemplos memoráveis, acho que as "Elipses", de Richard Serra, apoiadas em si mesmas e não mais nas paredes das instituições, ou "O Ciclo Creamaster", de Matthew Barney, com suas infinitas dobras e relações internas, partilham esta característica. Meu trabalho acompanha de certa forma essa direção.
A institucionalização crescente da arte trouxe para junto dela uma pletora de discursos institucionais, todos perfeitamente centrados, seguros de si e disputando espaço na mídia e nas oportunidades orçamentárias. Isso vem, talvez, do estilhaçamento das grandes noções universais que acompanharam a formação do mundo moderno: política, religião, burguesia, proletariado, luta de classes, direita, esquerda etc.
Com a quebra dessas noções universais, os particulares (ecologia, minorias étnicas, minorias sexuais etc.) firmaram-se, cheios de si, pontudos, zelosos de suas verdades. A arte talvez seja a última experiência universalizante, ou ao menos não simétrica à discursividade do mundo, e acho que tende a ser cada vez mais atacada, toda vez que discrepar, como soberba e como arbítrio. Mas penso que é isso mesmo que ela deve manter: sua soberba e seu arbítrio, para que possa continuar criando.

DESFAÇATEZ Pois isso para mim foi o mais impressionante de tudo: a absoluta incapacidade, digamos, interpretativa de quem me atacou, a recusa de ver outra coisa, de relacionar o sentimento de adesão ou de repulsa que meu trabalho tenha causado com qualquer coisa proposta por ele, em suma, a desfaçatez com que foi usado como trampolim para um discurso já pronto, anterior a ele, que via nele apenas uma possibilidade de irradiação.
Para isso, é claro, o principal ingrediente é que fosse tomado de modo absolutamente opaco e literal, espécie de cadáver sem significação. Para que possa ser veículo estrito de discursos e de grupos, sem que utilize seus recursos, digamos, naturais (sedução, desejo, ambivalência), o trabalho de arte tem de estar, de fato, desde o início definitivamente morto. Daí, creio, a ferocidade com que fui atacado -uma espécie de operação higiênica preventiva, para impedir que qualquer germe de espanto, ambiguidade, beleza, estupor, pudesse aparecer, desqualificando o desejado consenso.
No fundo, acho que a frase famosa de Frank Stella, que jogou uma pá de cal nas ilusões subjetivas de começos dos anos 60 e inaugurou as poéticas minimalistas que duram até hoje, "What you see is what you see" ("O que você está vendo é o que você está vendo"), parece ter migrado da arte para o mundo. A literalidade das obras de um Carl Andre ou de um Donald Judd transferiu-se inteira para as instituições e para o público.
Por isso talvez caiba hoje à arte a tarefa bastante simples, mas tão difícil, de dizer exatamente o contrário: "O que você está vendo NÃO é o que você está vendo". Ou seja, sonhar. Ou, como diz a letra da canção, "Bandeira branca, amor".

Sinto-me coibido, injustiçado e chocado, mas não posso dizer que fui censurado. E por entender que a forma que destruiu meu trabalho é legítima, quero divergir completamente dela

O que me foi negado com a criminalização do meu trabalho foi a possibilidade de um sentido -o sequestro, digamos, de qualquer sentido que ele pudesse propor

Para mim, o mais impressionante foi a desfaçatez com que foi usado como trampolim para um discurso já pronto, anterior a ele, que via nele apenas uma possibilidade de irradiação

Residência editorial - Revista Tatuí 10. PE

2010-09-29T11:49:00.001-07:00

REVISTA TATUÍ ONLINE

Do que o que se sabe: Priscila do Anjos e Sérgio H.

2010-09-05T17:46:00.000-07:00

Do que o que se sabe

Dia 8 de setembro o Memorial Meyer Filho trará a Florianópolis um vídeo inédito do Grupo P.S. formado pelos artistas Priscila dos Anjos e Sérgio Adriano H., ambos de Joinville.

Registrado pelo artista Franzoi, o vídeo é composto por 233 fotografias com ações de Priscila e Sérgio, no cemitério alemão de Joinville, em 2009. Com acesso limitado, o cemitério abandonado foi o local escolhido para travar uma discussão sobre a busca da perfeição corporal na sociedade contemporânea e a relação vida/morte.

Os artistas, desprovidos de qualquer indumentária, assumem o espaço destinado, nos cemitérios, às esculturas que geralmente se localizam sobre os túmulos. Numa aparente imobilidade, a sutileza dos movimentos sincronizados apontam para uma conversa entre corpos para além da fala e evidenciam as distintas corporeidades de Priscila e de Sérgio.

Ambos estão confinados a um corpo e a um espaço, os seus, cuja carne ainda pulsa sobre a terra e, os dos outros, apenas vestígios daquilo que foram. Nossa angústia se intensifica quando Priscila e Sérgio, antes eretos, passam a comprimir seus gestos no pedestal, onde parecem sussurrar: conforme-se, viver é também fechar os olhos, deixar que a morte invada o corpo, um navegar sem rumo e à deriva, afinal, Do que o que se sabe?

Agradecimentos especiais a: Carlos Franzoi, Giorgio Filomeno e Néri Pedroso.

Apareçam!

Atenciosamente,

Instituto Meyer Filho

institutomf@gmail.com

(48) 3234 8024

Sandra Meyer

Presidente

sandrameyer@globo.com

Kamilla Nunes

Diretora de Arte

nunes.kll@gmail.com

Cartas ao Mar: Clara Fernandes

2010-09-05T17:37:00.000-07:00

Um relato, uma resposta

Recebi em junho deste ano uma carta que conta a história dos momentos de LUME que permitiram à Clara Fernandes alargar esta obra até a instalação Cartas ao Mar. O lançamento do livro LUME: Clara Fernandes, dia 20 de julho, fez emergir uma proposta de exposição, na qual sugeri à Clara apresentar obras inéditas, tanto de décadas passadas quanto de agora. O inesperado aconteceu: cheguei ao ateliê e vi as obras sendo construídas, algumas com cerca de 5 metros, outras um pouco menores. A ficção que a artista construiu para amarrar todos aqueles trabalhos, posso dizer, de tirar o fôlego, foi o fator inesperado que mencionei. Tanto nos relatos que recebi quanto nas conversas em seu ateliê, o limite entre a ficção e a suposta veracidade dos fatos (entendendo que ambas são travestidas) escorria entre seus dedos como neblina.

A fala sempre comprometida e lúdica, a obra sempre como vestígio de uma história sem precedentes. História esta que teve início com a visão do TAC como um navio aportado: De tudo que imaginei nesse ambiente ficou uma idéia permanente: pensei alguém a bordo, nos idos 1700, escrevendo uma carta, cuidadosamente, enrolando-a, colocando-a numa garrafa e lançando-a ao mar. A condução das imagens às obras são, de fora, completamente arbitrárias. Sua poética passa pela lógica do esquecimento sem possibilidade de esquecer. Para a maioria das pessoas, o encontro com um contêiner climatizado no meio da praia, com objetos de uma nau-fragada de 1780, ou, não se sabe, um navio abandonado por piratas, poderia se transformar apenas em arquivo fotográfico pessoal ou, talvez, nem mesmo nisso. Mas, já que estamos falando de Clara Fernandes e, principalmente, da exposição Cartas ao Mar, este é um dado crucial que permite ao visitante um possível ponto de chegada à obra/instalação, posto que o Memorial Meyer Filho pode, também, ser entendido aqui como um contêiner.

Para arriscar uma compreensão deste trabalho, gostaria de relembrar O outro, de Jorge Luis Borges, primeiro conto da obra “O livro de areia”, escrito em 1975, quando o próprio autor se vê no futuro, conversando consigo mesmo como se fosse um outro. Borges termina o conto dizendo: Meditei muito sobre esse encontro, que não contei a ninguém. Creio ter descoberto a chave. O encontro foi real, mas o outro conversou comigo em um sonho e foi assim que pôde esquecer-me; eu conversei com ele na vigília e ainda me atormenta a lembrança. Entendo que, quando Clara se deparou com as ânforas dentro do contêiner, ela olhou o outro com o estranhamento de quem olha a si mesma, há 300 anos. A semelhança é, não podemos negar, assustadora. Basta lembrar do humano e do cadáver. Cartas ao Mar surgiu do susto, do incompreensível, do inesperado e, é claro, das possibilidades de ficção. Não é a primeira vez que a artista se coloca como coadjuvante, com o intuito de dar visibilidade ao protagonista mas sem correr o risco de desaparecer. Primeiro Arturo Lima, o artista criador da Caixa Sonora, agora Bonita, a chinesa canadense que formatou a instalação Cartas ao Mar, dando a ela não apenas a matéria da qual algumas obras foram feitas, como também o enredo da história que contará o manuscrito, durante a exposição no Memorial Meyer Filho.

Um navegante, estrangeiro de passagem, se hospeda no Memorial. A embarcação, atracada no porto, está em frente ao edifício, o CHALAVAR do navio espera pelos reparos. Na sala, o LAMBAZ e as ÂNFORAS com as provisões básicas do navegante que, sem pressa, escreve no LIVRO DE CARTAS. Mais ao fundo a COLUNA delimita o espaço de descanso, onde o MANTO desvestido avisa sobre sua presença.

Kamilla Nunes, 12 de julho de 2010

Clara Fernandes, 11 de junho de 2010

Tatuí 00 Revista de Crítica de Arte

2010-07-15T10:34:00.000-07:00

http://issuu.com/tatui/docs/tatui00

Esta edição da Tatuí, (des)numerada 00, é resultado do prêmio recebido pelo Programa Rede Funarte Artes Visuais 2009. Foi concebida entre fevereiro e abril de 2010 por um corpo de editores provenientes de diversas cidades do país (Recife, Fortaleza, Curitiba, Brasília, Salvador, São Paulo e Aracajú), em regime de semi-internação domiciliar coletiva.

Lume: Clara Fernandes (lançamento) Cartas ao Mar (abertura)

2010-07-15T07:36:00.000-07:00

Fotografia de Gláucia Maindra

Um relato, uma resposta

Kamilla Nunes, 12 de julho de 2010

Clara Fernandes, 11 de junho de 2010

Lançamento e abertura: 20 de julho de 2010, 19h

Memorial Meyer Filho

Distribuição gratuita na ocasião do lançamento

* Pequenos Desejos Dançados: Roberto Freitas

2010-07-04T10:01:00.000-07:00

Pequenos Desejos Dançados

Roberto Freitas

O que McLuhan havia anunciado como um destino certo e que a tecnologia recente faz com que pareça ser uma realidade, aqui está posto como uma idéia situada no futuro: o “reenvolvimento”, operado pelos meios de comunicação de massa, dos sentidos que haviam sido dissociados pela cultura visual. Forma, volume, ritmo, expressão corporal e mesmo uma sugestão de música são diretrizes de algo que não chega a tomar corpo, o que é excelente, porque se o fizesse seria indistinguível dos produtos acabados e padronizados da indústria cultural. É por se manter como projeto e questionar a exeqüibilidade da nova era vislumbrada pelo pensador canadense que essas imagens revelam alguma resistência, de onde se extrai todo o seu sentido.

José Bento Ferreira

Marcelina - Ficções

2010-07-04T09:56:00.001-07:00

Revista do Mestrado em Artes Visuais da Faculdade Santa Marcelina FASM

Ficções

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Marcelina (Antropofágica)

2010-07-01T16:22:00.000-07:00

Revista do Mestrado em Artes Visuais da Faculdade Santa Marcelina FASM

Marcelina (Antropofágica)

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O problema dos museus. Paul Válery

2010-07-01T14:49:00.001-07:00

Paul Valery. O problema dos museus

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A exposição como trabalho de arte: Jens Hoffmann

2010-07-01T14:43:00.000-07:00

A exposição como trabalho de arte. jens hoffmann

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ANOS 80 EM SANTA CATARINA

2010-06-30T13:51:00.000-07:00

Em junho deste ano foi aprovado o projeto Anos 80 em Santa Catarina pelo edital de cultura da Udesc. Eu e Renata Patrão, junto com a Profª Drª Jociele Lampert, estamos realizando um mapeamento desta produção e, se possível, gostaríamos de contar com a colaboração de vocês, para ampliar as informações sobre o contexto cultural da época, bibliografias, artistas, colecionadores, instituições, etc. Propomos também conversas, pessoalmente ou por telefone, com o intuito de levantar, a partir deste mepeamento, um número significativo e representativo, de obras deste período.

A primeira etapa do projeto – mapeamento – será um fator decisivo na curadoria a ser realizada por mim e pela artista/pesquisadora Renata Patrão, cuja exposição será realizada no Memorial Meyer Filho e na Galeria Pedro Paulo Vecchietti, em novembro deste ano.

Os telefones para contato são:

(48) 9114.6111 - Kamilla Nunes

(48) 9127.3740 - Renata Patrão

Abaixo segue a lista inicial e provisória de artistas. Iremos viajar para Itajaí, Blumenau e Joinvile, além de Florianópolis, até setembro, tempo-limite para finalização do mapeamento.

Lista de artistas

Adriana Maria dos Santos

Aldo Nunes

Luiz Carlos Canabarro Machado

Cândida Maria da Rocha

Carlos Alberto Asp

Carlos Roberto Nascimento de Oliveira

Clara Fernandes

Danísio Silva

Denise Franco

Dimas Filho

Dirce Guarda "Maia"

Doraci Girrulat

Edson Raupp

Edy Balod

Eliane

Fernando Lindote

Flávia Fernandes

Geraldo Mazzi

Grupo Artmosfera

Grupo Guará

Grupo Nhá-ú

Guido Heuer

Heloisa Steffen

Isabela Mendes Sielski (Bela)

Jandira Lorenz

Jarina Menezes

José Luiz Kinceler

Juan Carlos Doyle

Júlia Iguti

Juliana Wosgraus

Kátia Luz Cúrcio

Lourival Pinheiro de Lima, "Loro"

Lú Pires

Luiz Gustavo Ramos

Luiz Henrique Schwanke

Manolo

Mara Santos

Marcus Rück

Marlise Niero

Marta Martins

Maurício Muniz

Mauro Tortato

Max Moura

Nara Milioli

Neno Brazil

Nivaldith Fernandes

Onor Filomeno

Paulão Whitaker de Assumpção

Paulo Gaiad

Paulo Whitaker

Rafael Rodrigues

Renato Ribas Pereira

Ricardo Ramos

Ronaldo Linhares

Rosana Bortolin

Rubens Oestroem

Sandra Corrêa Fávero

Saulo Pereira

Sílvia Mayer Teske

Suely Beduschi

Susana Simon

Ubiratan de Oliveira, "Bira"

Valdir Agostinho

Yara Guasque

Resumo da proposta

A questão principal que norteia o projeto Anos 80 em Santa Catarina é: Em que medida a dispersão e pluralidade constituída na década de 1980 em Santa Catarina influenciou a produção contemporânea de arte? A realização de uma exposição em Florianópolis, capital de Santa Catarina, visa exibir um recorte pioneiro e relevante da produção artística dos anos 80, a fim de tornar visível a emergência de formas híbridas no estado e, como elas se configuram na arte contemporânea.

Em Santa Catarina foram realizadas exposições dispersas durante os anos 80, sem o slogan “Nós somos a geração 1980”. Isto não significa dizer que não houve uma intensa produção e preocupação com os preceitos artísticos, políticos, culturais e sociais da época. Mas, para que o público perceba a importância destas obras, ele precisa, no mínimo, poder acessá-las. A ausência de uma rotulação baseada em critérios estéticos impossibilitou a identificação de um grupo ou um movimento, por não haver homogeneidade entre as obras, bem como dificultou uma documentação abrangente que integrasse estas diversas manifestações expressivas.

A carência de registro e documentação sistematizada referente a textos críticos e obras deste período, gerou um desconhecimento da referida produção que, além de efervescente em seu momento (segundo relatos de artistas), serviu de embasamento para toda a produção posterior. Hoje, há a possibilidade de resgatar historicamente estas obras, pois os artistas que produziram há 30 anos continuam atuando no circuito artístico e na academia e, em certa medida, guardam em seus acervos particulares, parte considerável de uma obra sem registros e, ainda, sem o merecido estudo e pesquisa.

* EXPOSIÇÃO/SEMINÁRIO

2010-06-17T13:53:00.000-07:00

Fazer uma exposição que seja ao mesmo tempo um seminário parte do interesse em evidenciar o processo de construção do trabalho de arte, muitas vezes oculto na situação final de exposição. Queremos a fala do artista como informação primária, abrir possibilidades (enquanto propositor) de debater e compartilhar junto com o público este processo.

A idéia partiu da observação da apresentação dos trabalhos na disciplina de Performance ministrada por Regina Melim, e perceber como ficava visível o processo de construção do trabalho e de como sua vertente discursiva acontecia e se consolidava também como trabalho de arte. A partir disso convidamos 23 artistas (todos que, neste semestres ou em anteriores, participaram desta disciplina) a apresentar seus trabalhos nos dias 23 e 24 de junho. O formato da apresentação é livre, assim como o espaço na publicação que o acompanha. Tanto o seminário quanto a publicação são dispositivos que criamos para retroalimentar nossos trabalhos: vídeos, fotografias e textos que versam sobre performance nas artes visuais e que desenvolvemos durante os meses de março e abril de 2010.

Realizar uma exposição no formato de um seminário/conversa é pensar também em novas estratégias expositivas, expandir o tema e levantar questões (talvez até mais intrigantes), uma vez que não temos a pretensão de mostrar obras finalizadas, nem tampouco um esboço de idéias, mas o curso de um processo artístico e acadêmico, da especulação privada, e de instantâneos de uma pesquisa.

* Mesa Redonda – 12º Salão Nacional de Artes de Itajaí

2010-06-10T14:49:00.000-07:00

Como parte do programa curatorial do 12º Salão de Artes de Itajaí, será realizada uma Mesa Redonda no dia 21 de junho de 2010, às 15 horas, no Pavilhão C do Centreventos Itajaí, localizado na Av. Ministro Victor Konder (Parque da Marejada), nº 303, centro de Itajaí (SC). Nesta ocasião, curadores e artistas-professores de diversas partes do Brasil discutirão questões referentes à construção de poéticas visuais, o ensino das artes em universidades e instituições alternativas e o modelo instituído do “salão de arte” tanto no cenário nacional quanto internacional.

Aos interessados em participar, encaminhamos a ficha de inscrição que deverá ser preenchida e enviada aos e-mails galeria@itajai.sc.gov.br ou curadoria.snai@gmail.com para o registro da inscrição até o dia 14 de junho de 2010. As vagas são limitadas!

Mesa redonda das 15h às 19h, com a participação de Albano Afonso-SP, Daniela Bousso-SP, Leda Catunda-SP, Dyógenes Chaves-PB, Caetano Dias-BA, Fernando Lindote-SC, Marta Martins-SC, Josué Mattos-SC, Ricardo Resende-RJ, José Rufino-PB, Ana Tavares-SP e Elida Tessler-RS.

A abertura do Salão acontecerá no dia 21/06/2010 às 19h30min.

* Relato da repressão policial dentro do Campus da UDESC

2010-06-10T14:44:00.000-07:00

ASSISTA AO VÍDEO!

Ontem, dia 31 de maio de 2010, os estudantes de Florianópolis, juntamente com a Frente Única de Luta pelo Transporte Público, deram início a 4ª semana de manifestações contra o aumento abusivo da tarifa de ônibus – dos já abusivos R$ 2,80 para R$ 2,95.

Assim, após às 18h, cerca de 20 manifestantes da UDESC iniciaram sua manifestação pelo lado de fora da Universidade.Neste momento, chegou ao local uma viatura da PM, que ficou somente observando a manifestação pacífica. Em pouco tempo foi possível ouvir o soar das sirenes que pensamos ser de uma ambulância num momento em que a via encontrava-se bloqueada pelos manifestantes e, assim sendo, abrimos caminho. Ao deslocarmo-nos para o canteiro percebemos que o soar das sirenes eram de 4 viaturas do GRT (Grupo de Resposta Tática).

Com isso fomos para a calçada ao lado dos portões da Universidade, ao passo que o grupo de GRT já deslocava-se de suas viaturas. Vieram em nossa direção com as armas Taser e avançaram sobre um estudante da UDESC. Jogaram-no ao chão, espancando-o, enquanto alguns manifestantes tentavam puxá-lo para que este não fosse preso. Contudo, devido à truculência do GRT, acabaram caindo e o discente foi preso.

Em meio à essa primeira demonstração de violência da noite, os alunos que presenciaram o fato correram para os centros da Universidade, chamando a atenção de estudantes, professores e funcionários para o que estava acontecendo. Em poucos minutos todos se dirigiam para frente da UDESC, protestando contra os abusos cometidos pela polícia que tomava novas proporções: tornou-se, também, uma indignação generalizada diante do uso abusivo da força por parte da Polícia.

Com isso os manifestantes que aglutinavam-se no centro da cidade deslocaram-se para a UDESC. Nesse meio tempo alunos contatavam professores. Com a chegada do pessoal que estava no Centro, os manifestantes entraram na universidade e fizeram uma Assembléia (o clima estava tenso, pois havia vários policiais infiltrados, famigerados P2).

A assembléia encaminhou a continuidade do ato, entretanto a polícia havia fechado a outra saída, fazendo com que não tivéssemos como sair de dentro do Campus I da UDESC. Desta forma, voltamos para frente, no portão principal. Tentamos seguir em direção a UFSC, mas a qualquer tentativa de bloquear as ruas as viaturas avançavam em alta velocidade, cantando pneu, sem preocupar-se com a segurança dos que ali estavam. Ficamos impedidos inclusive de caminhar pela calçada, ficando presos pela obstrução da polícia. Tal atitude impedia também os demais alunos e funcionários de saírem com segurança da Universidade, pois eram ameaçados com armas de choque.

O Ministério Público do Estado já havia dado aval para que a polícia utilizasse de todos os meios “legais” para que as principais ruas e avenidas não fossem trancadas.No entanto, a via que ocupávamos ontem sequer estava citada em tal nota, assemelhando-se este documento ao AI5 da época da ditadura. E foi utilizando esses aparatos “legais” que por volta das 21h30 a Polícia invadiu o campus e agrediu estudantes dentro da universidade, fazendo-se uso de gás de pimenta, armas taser, cassetetes e chegando a apontar arma de fogo na cabeça de estudante (a última feita por um P2). Soma-se a isso empurrões, socos, chutes, como o caso de estudante que foi atingido nos órgãos genitais. A manifestação que se pretendia pacífica logo se tornou uma ação incontrolavelmente violenta. Vale enfatizar aqui que nem na época da ditadura era concebível a polícia adentrar as universidades.

Das prisões realizadas na calçada em frente à UDESC e dentro do campus, a maioria estudantes da UDESC. Totalizava-se assim, juntamente com a prisão realizada por volta das 20 horas e 30 minutos, 5 detidos. Foram encaminhados para a 1ª DP e para a Central de Polícia, com exceção de um dos estudantes que passou pelo posto avançado da madre Benvenuta, 5ª DP, 1 ªDP e para a Central de Polícia. Os detidos foram liberados somente de madrugada, após assinarem o termo circunstanciado.

Diante dessa situação, professores da UDESC se deslocaram para o local, dentre Chefe(s) de Departamento(s) e Diretores de Centro. O tenente-coronel Newton Ramlow informou a um(a) dos professores que havia detido pessoas infiltradas de São Paulo, que não faziam parte do movimento e que vêm pra cá só pra causar confusão, além de um estudante da UDESC que estava “incomodando” desde as 7:30! Tomando nota de quem foram as pessoas detidas logo constatamos que a informação não era verídica.

Foi iniciada uma cobrança pelas vias institucionais, solicitando um posicionamento da Reitoria da UDESC contra a repressão policial ocorrida na noite de ontem. Na hora das atrocidades cometidas pela polícia, fecharam-se as portas para os manifestantes que procuravam ali alguma segurança.

O fato ocorrido ontem é mais uma evidência concreta da criminalização dos Movimentos Sociais em nosso país e no mundo! Repudiamos a invasão do Campus e a ação violenta da polícia! Repudiamos a nota do Ministério Público do Estado! Repudiamos a criminalização dos Movimentos Sociais! Nossa luta é por um Transporte Público de qualidade!

Assinam:

DART – Diretório Acadêmico de Artes

DAOM – Diretório Acadêmico Oito de Maio

CALGE – Centro Acadêmico Livre de Geografia

CAH –Centro Acadêmico de História

CAP – Centro Acadêmico de Pedagogia

CAMUS – Centro Acadêmico de Música

CAAB – Centro Acadêmico Augusto Boal

* FRANZOI: sobre memórias no espaço-tempo

2010-06-03T12:42:00.000-07:00

sobre memórias do espaço-tempo

por kamilla nunes

sobreviventes do descaso político e patrimonial, os livros seguem a estratégia de descasular: saem de seu ambiente natural, abandonam sua condição de objeto indubitável e passam a ocupar espaços de arte como pedaços de vida randômicos. a corporeidade espacial se dá no revestimento horizontal da arquitetura, esmagada sob o peso do público, sendo eles mesmos, a extensão fluida do espaço. é como se franzoi assumisse a condição de antiprotagonista e deixasse, à deriva, as pessoas exercerem peso sobre a memória do vazio, do insignificante e da morte. esta palavra, o peso, é o que confere à instalação “sobre memórias do espaço-tempo”, a sensação de solidão tumultuada. pesa sobre a arquitetura sua segunda pele; pesa sobre o arquivo morto o vestígio biográfico; pesa sobre as pessoas a decisão de entrar no espaço, sabendo que esse ato é, não apenas de construção de conhecimento, como também de destruição; pesa sobre os espaços que recebem a arte, seu estado frágil e precário.

como instalação pictórica ou escultura arquitetônica, é inevitável a aproximação desta obra com o processo pictórico minimalista, de ordenação e empilhamento. a disposição realizada por franzoi não segue uma cronologia ou uma metodologia encerrada em si mesma, mas, pelo contrário, é configurada especialmente para cada um dos espaços que a comporta. o incômodo com alguns aspectos das instituições de arte é a sensação principal que formata a instalação. lancinante, essa corporeidade visa uma interrogação sobre a polivalência que o artista traça e desloca da cervejaria antártica c.a., para o memorial meyer filho.

Cadernos de desenho

2010-05-01T04:34:00.000-07:00

Abertura da exposição Cadernos de desenho no Memorial Meyer Filho

A exposição Cadernos de desenho será realizada no Memorial Meyer Filho, em Florianópolis, com abertura e conversa sobre a exposição no dia 4 de maio, às 19h30. A exposição integra o projeto homônimo, contemplado pelo Edital Elisabete Anderle, que compreende uma exposição itinerante e um livro (a ser publicado em breve), ambos resultados das atividades da pesquisa sobre as obras e processos dos seguintes artistas: Carlos Asp, Fernando Lindote, Julia Amaral, José Antônio Lacerda, Raquel Stolf e Yiftah Peled.

Além de Florianópolis, a exposição será realizada na Galeria de Arte da Fundação Cultural de Criciúma, em junho, na Galeria Municipal de Arte Victor Kursancew e em mais uma cidade a ser definida brevemente.

A concepção do projeto é de Aline Dias. Produção e pesquisa foram realizadas por Aline Dias, Ana Lucia Vilela e Julia Amaral e incluiu a visita aos ateliês dos artistas convidados, provenientes de diferentes gerações, com linguagens e produções artísticas singulares, bem como abordagens e usos distintos do desenho em seus processos.

Sobre a exposição

A exposição não tem como ponto de partida nenhuma idéia predefinida de desenho, nem pretende agrupar os desenhos dos artistas em uma temática, mas procura explorar e inventariar as especificidades e desdobramentos que o desenho apresenta no processo de cada artista. É justamente a conexão entre o conceito central do projeto (expansões e desdobramentos do desenho contemporâneo) e o diálogo singular com cada artista e sua visão própria do desenho no trabalho, que norteia a curadoria.

O caderno de desenho, seja ele uma pasta, um caderno mesmo, um conjunto de folhas presas numa prancheta, arquivos de computador ou folhas dispersas em um saco plástico, ganha relevo neste projeto porque comporta uma dimensão de arquivamento e revisitação. O caderno implica também em rasuras, apagamentos e reinscrições, centrais na prática artística atual. Exibidos ou não como trabalho, estes desenhos não perdem o vínculo com o processo, reorganizando o funcionamento do trabalho, suspendendo modelos de relacionamento e apreensão do mundo e da linguagem.

Mais sobre os trabalhos:

	Raquel Stolf participa da exposição com o trabalho migalhas de corpo mole. Através da repetição obsessiva de pequenas circunferências, o trabalho propõe uma reflexão sobre as relações entre escrita e desenho e a problematização da noção de uma legenda explicativa. A versão apresentada consiste em uma série de desenhos de pequeno formato (cerca de 20x15cm), sobre papel pautado.
	José Antônio Lacerda apresentará na exposição o trabalho Fábrica de Nuvem Verde. Trata-se de um projeto de intervenção urbana, que consiste em reativar chaminés desativadas no tecido urbano, emitindo fumaça verde. O projeto inclui o registro fotográfico da ação e a justaposição destas imagens com o desenho do projeto, retirado de um de seus inúmeros cadernos de desenho. Destacando os lapsos e fissuras entre a dimensão projetiva do desenho e o registro fotográfico de uma experiência, a cada nova montagem da exposição, a experiência será realizada na própria cidade, de forma que o registro fotográfico vá agregando, crescentemente, imagens das ações realizadas em todas as cidades onde o projeto realiza itinerância.
	Yiftah Peled apresenta uma instalação inédita na exposição, incluindo interferências na arquitetura, através de pequenas perfurações no painel expositivo e um objeto que apresenta um desenho - apropriação de um esquema gráfico da anatomia da pele.
	O artista Fernando Lindote apresenta um conjunto de três trabalhos, explorando os contrapontos e disparidades entre os diversos desenhos na produção do artista e de seus campos de referências (os quadrinhos, o desenho de observação, os projetos de instalações, a repetição e a procura das formas exploradas em outras linguagens, etc).
	Julia Amaral apresenta uma instalação composta por um desenho de grandes dimensões, de uma menina-elefante esmigalhada por um menir, realizado diretamente sobre o painel expositivo, criando um diálogo com as situações específicas da arquitetura dos espaços expositivos. Realizado originalmente em um de seus cadernos, o desenho joga com a mudança de escala requerida para o trânsito ao espaço expositivo. A artista também realizará uma intervenção urbana, através da disseminação de pequenos desenhos (desenvolvidos em vinil adesivo) de encontros de diferentes animais, subvertendo a relação habitual de embate e/ou enfrentamento entre eles.
	Finalmente, Carlos Asp integra a exposição com uma série de trabalhos, que incluem experiências gráficas realizadas a partir da relação entre imagem e palavra, a repetição, a apropriação de embalagens, bulas e outros suportes provenientes da experiência cotidiana, explorando o caráter precário dos desenhos, dos suportes e de suas próprias ações.

Sobre a pesquisa:

Como se dá, atualmente, a prática do desenho no campo da arte? Que formas o desenho assume em cada processo? Qual a relação com a idéia de projeto, ou seja, de que forma o pensamento desenhado se transpõe (quando isso acontece) para outro meio?

Com essas e outras questões em mente e ainda com o intuito de, ainda que precariamente, inventariar as formas que o desenho vem assumindo na contemporaneidade bem como conhecer as especificidades desta expressão na prática artística dos artistas citados, invadimos (de forma consentida) a intimidade dos seus processos, fuçamos seus ateliers, folheamos seus caderninhos, perguntamos insistentemente sobre suas intenções e procedimentos e registramos com fotografia e gravação sonora as visitas. Neste processo se deu a escolha das obras que integram a exposição.

Mais sobre o projeto e abordagens do desenho:

Desde que não é mais próprio ao desenho a representação de objetos, idéias, sensações através de signos gráficos dispostos numa superfície bidimensional, o desenho não se extinguiu mas, ao contrário, assim desapropriado, proliferou em facetas. A partir da produção artística dos anos sessenta, podemos pensar no desenho enquanto projeto, instalação, linha, registro, diálogo com a arquitetura, volume, fronteira, delimitação do espaço, ferramenta de formulação e imaginação; ou seja, o desenho se desdobrou do campo da representação e aproximou-se ao pensamento. Se o desenho não representa algo pensado, ele passa a ser o próprio meio do pensamento; o desenho pensa.

Diante da impossibilidade (e irrelevância) de formular uma definição de desenho, podemos inventariar a diversidade de sua prática e sua relação com o processo artístico, e é isto que esta exposição propõe.

Não partimos, portanto, nem de uma idéia predefinida de desenho, nem de desenhos dos artistas alinhavados por uma temática, mas sim das especificidades e desdobramentos que o desenho apresenta no processo de cada artista. É esta pluralidade de práticas de desenho que o visitante terá a oportunidade de apreciar.

SERVIÇO
O quê: Exposição Cadernos de desenhos
Quando: abertura no dia 4 de maio, terça-feira, às 19h30. Visitação de 5 a 27 de maio de 2010, de terça a sexta, das 10h às 18h.
Onde: Memorial Meyer Filho. Praça XV de Novembro, 180, esquina com a Rua Tiradentes. Centro – Florianópolis, SC.

Abaixo-assinado - REPÚDIO!

2010-04-22T08:16:00.000-07:00

Abaixo-Assinado: REPÚDIO AO GOVERNO DO ESTADO DE SANTA CATARINA PELA IMPLANTAÇÃO EM JOINVILLE DA ESCOLA DE BELAS ARTES DE FLORENÇA DA ITÁLIA.

http://www.abaixoassinado.org/abaixoassinados/5913

Viemos por meio desta, descrever e solicitar a atenção dos leitores no seguinte assunto:

No último mês de fevereiro de 2010, ao retornar de mais um da suas viagens à Europa, o então Governador do Estado de Santa Catarina, Luis Henrique da Silveira (PMDB), anunciou a assinatura de um contrato\termo para implantar, no Estado cinco unidades do Instituto de Belas Artes de Florença da Itália. As sucursais têm o objetivo de ensinar pintura, escultura e restauração nos moldes da escola italiana. A primeira unidade, na cidade de Joinville, tem o início de suas atividades previstas ainda em 2010.

O fato de Luis Henrique da Silveira arbitrariamente resolver, implantar um Instituto de Belas Artes da Florença no Brasil, em pleno século XXI, sem formar uma comissão de debate, sem qualquer análise de viabilidade técnica e conceitual anterior e sem uma consulta à sociedade, vai contra qualquer tipo de diálogo democrático. Deveria-se primeiro buscar saber da sociedade e dos profissionais (professores universitários, artistas, críticos e etc) o que de fato o Estado e sua população necessitam neste campo.

Defendemos ser imprescindível, antes de uma decisão deste calibre, consultar os interesses e necessidades da sociedade, da comunidade artística, seus profissionais e instituições (universidade, professores de arte, artistas, críticos, etc) a respeito de como pensam e esperam que o Estado possa intervir para contribuir com a real formação institucional do artista e o aprofundamento de seu pensamento artístico.

O Governo do Estado de Santa Catarina deveria, como fez o Governo Federal através do Ministério da Cultura, ter feito uma chamada pública da sociedade civil para buscar saber dos profissionais que hoje trabalham com Artes Visuais no Estado, o que seria necessário de fato nessa área, em termos de ações eficazes, que possam desenvolver um pensamento crítico e atual da produção artística e sua formação. Ouvindo a comunidade artística saberia que uma ação que poderia, por exemplo atender a demanda cultural no campo do ensino das artes visuais no Estado, seria a implantação do Centro de Artes da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC) em outras regiões do Estado.

Esta decisão autoritária do Governo é mais uma de uma série de ações, de um Estado que vem sucessivamente implantando metodologias européias, ignorando a produção contemporânea local e as características regionais, subestimando a capacidade intelectual e artística dos profissionais, pesquisadores e professores, que vivem e produzem em Santa Catarina sugerindo uma 'recolonização' cultural.

Fundamentada nestes argumentos, aqui resumidos, a Assembléia Estadual de Artes Visuais de Santa Catarina repudia desde já a iniciativa do Governo do Estado e para isso divulga esta informação e convida os demais artistas, produtores e cidadãos, num exercício de cidadania, a unirem-se a esta moção de repúdio assinando este documento.

link sobre as informações que saíram na mídia em SC sobre o assunto:

http://groups.google.com.br/group/forum_sc_artesvisuais/web

TODAS ESTAS FLORES

2010-02-04T09:23:00.000-08:00

EXPOSIÇÃO DE MARTA MARTINS NO MEMORIAL MEYER FILHO

Antes do esplendor, a garatuja. Todas essas Flores não tem a ver com quantidade nem variedade, mas com camadas de representação: ato de refazer a semelhança de uma flor com ela mesma. Carece de definir a vaidade, quieta a finitude da vida. Quem sabe, um barroco revisitado de olhos para San Juan de la Cruz? Antes incensos à deriva institucional, envoltórios de espera modelados com lenço umidecido e fios de aço, caixas seladas com cera ou chumbo. Silêncio. Agora um amontoado de pétalas escondidas por formas encrespadas. Embrenhar flores e clarear a solidão parece e ser a condição de uma artista que imensa na arte uma insuportável leveza: Pesadas e inodoras são todas essas flores.

As condições de um pássaro solitário são cinco:

Primeiro, que ele voe ao ponto mais alto;

Segundo, que não anseie por companhia,

nem de sua própria espécie;

Terceiro, que dirija seu bico para o céu;

Quarto, que não tenha uma cor definida;

Quinto, que tenha um canto muito suave.

San Juan de la Cruz (Ditos de amor e luz)

Cosmo e caos do emissário de Marte

2010-01-30T12:15:00.000-08:00

Por

Kamilla Nunes

As primeiras décadas do século XX na América Latina foram marcadas por uma utopia: construir uma cultura nacional sem deixar de ser vanguardista; moderna sem deixar de ser nacional. Renovação da arte e criação da identidade – ao mesmo tempo nacional e regional – tornaram-se a preocupação dos artistas do período, tanto em Santa Catarina e São Paulo, quanto em outros países latinos, com variação conforme as coordenadas sociais, culturais e políticas de cada tempo e espaço.

A arte de Ernesto Meyer Filho (Itajaí, 4 de dezembro/1919 – Florianópolis, 22 de junho /1991) foi por vezes apresentada como estética primitivista, assumida na época com o caráter positivo associado ao popular. No entanto, a perspectiva insólita, marginal e singular que se formou com as premissas do modernismo, tais como a renovação dos preceitos das vanguardas europeias e a ruptura com a arte meramente histórica associada às colônias indígenas, ao escravismo e ao império, impulsionaram a produção artística de Meyer Filho para um hibridismo técnico e para a enunciação simultânea de discurso erudito e popular.

Detentor no Banco do Brasil do maior salário público da época, ele convivia com a elite que estava se formando na Ilha de Santa Catarina, a mesma elite que crescia entre a cultura letrada e a mescla das tradições populares correntes na região, como o Boi de Mamão. Esse trânsito entre o popular e o culto marcou a obra de Meyer Filho de tal forma que ele superou o caráter meramente narrativo da arte e deixou transparecer na superfície pictórica, na fala, na escrita, em desenhos e aquarelas, nos protestos e reivindicações, as suas inquietações e investigações plásticas relacionadas tanto à literatura quando à ciência e à política (vide a charge ferina de 1954). .

Os desenhos e pinturas de Meyer refutam as regras ensinadas nas academias e agregam elementos audaciosos a uma compreensão não apenas da arte enquanto técnica ou subordinada a um estilo, mas também como modo de vida. Desconheço outro artista que pintava galos e os punha na sacada para tomar banho de sol. Não porque se tratava de uma pintura cuja tinta necessitasse de calor, mas porque os galos, em sua exuberância, precisavam ser cortejados.

A entrevista que Meyer Filho concedeu ao jornalista Manoel de Menezes nos anos 60, relatando a estadia em Marte, é contada até hoje com espanto e gargalhada por amigos e familiares. Não havia separação entre a arte e o artista, uma vez que sua obra não era refém de suportes, mas encontrava-se à deriva de um corpo sempre prestes a explodir. Para além dos casarios, paisagens e galos, existia um interesse artístico e político em sair do lugar cultural no sentido primário (galeria, museus, catálogo) sem que a proposição em si desmoronasse imediatamente. E a série de crônicas publicadas pelo artista no extinto jornal “O Estado” permanece quase desconhecida e inexplorada.

Para chegar a uma compreensão da obra de Meyer dentro da complexidade instaurada no modernismo é preciso combater a tendência ao estável, à passividade ligada ao hábito, à insistência em pensar que a obra desse artista se encerra em uma categoria possível de ser nomeada ou a uma técnica específica. Meyer Filho, por exemplo, nunca foi um surrealista, apesar de fazer referência a este movimento em momentos de sua produção e divagação poética. O artista não deu importância às teorias psicanalíticas de Freud, aos preceitos do “Manifesto Surrealista” e tampouco deu margens ao automatismo psíquico.

O conjunto da obra do artista refuta a hierarquia entre o cosmos e o mundo dos homens, há uma junção do espiritual e do profano, formado por um imaginário particular que se transfigura na ossatura revestida pela desconfiança cética com a realidade e com posturas inquietas e chocantes do seu posicionamento enquanto artista e cidadão, vale dizer, um cidadão de Marte.

Está aí um ponto importante a ser lembrado nos 90 anos de seu nascimento: o caos. Recordarei que Meyer, junto com seus estudos rápidos e rapidíssimos, com as pinturas e os recortes de jornal, guardava todas as contas e notas fiscais quitadas por ele e que suas pinturas dividiam a parede com gaiolas de passarinhos, tapetes e rascunhos.

É quase inútil nominar o microcosmo criado por Meyer Filho na tentativa de constituir um ponto de partida de leitura da sua obra, pelo simples fato de que o fim e a ordem nunca existiram. Não há qualquer razão válida para considerar os meios de expressão do artista como uma extensão lógica de seu pensamento: ele é eloquente por si mesmo. Convém deixar em suspenso a definição.

3ª Noite do Múltiplo - ARQUIPÉLAGO

2009-12-06T06:04:00.000-08:00

Dia 18 de dezembro às 19h o Arquipélago promoverá mais uma Noite do Múltiplo. A Noite do Múltiplo faz parte do projeto de desmistificação e difusão da arte contemporânea, promovendo o acesso do público a este bem cultural. Os convites-bônus já estão à venda e custam R$50,00 que no dia do evento valem troca por múltiplo de mesmo valor.

Exposição LOJA no Memorial Meyer Filho

2009-12-05T14:59:00.001-08:00

* CERVICAL

2009-11-17T07:23:00.001-08:00

Por

Kamilla Nunes

A escolha das obras presentes na mostra CERVICAL responde à paleta utilizada na produção recente e inédita de artistas interessados no exercício do deslocamento da constituição de corpos, o qual surge, aqui, como uma linha de fuga para o embaralhamento dos sentidos e modelos de comportamento. Ao explorar os sistemas e interstícios do seu próprio corpo e do corpo do Outro, as obras apresentadas provocam uma quebra de parâmetros e convenções instauradas na apologia ao belo.

A mostra conta com a participação de onze artistas, cujas obras transitam por diversas mídias, tal como instalação, vídeo, fotografia, gravura, pintura, desenho, aquarela e performance. Independente do suporte, todos os artistas, de alguma forma, buscam a possibilidade de questionar a coesão do corpo: Corpo-vianda, corpo-suturado, corpo-ausente, corpo-cartográfico, corpo-masoquista, corpo-líquido, corpo-outridade, corpo-paisagem e corpo-fragmento. Assim, não se trata de reduzir a obra a uma idéia ou a um tema específico e perene, mas de aumentar a complexidade das idéias suscitadas por uma obra.

Enquanto Priscilla Menezes cria híbridos de órgãos e plantas e abre o corpo à dimensão da paisagem, Mabel Fricke duplica o seu corpo com um espelho numa performance no centro da cidade de Florianópolis, tensionando não apenas os gêneros pictóricos, como o retrato e a paisagem, como também a duplicação amorfa de fragmentos do corpo, a ponto de torná-lo irreconhecível enquanto tal. Na mesma direção, encontra-se a obra de Jorge Miguel: pequenos mapas sobre retratos. Nesta série, o artista aproxima a fotografia a ponto de evidenciar apenas a textura da pele sem deixar rastros do retratado.

No vídeo apresentado por Karina Segantini, a provocação é incessante, podendo causar repulsa e constrangimento nos desavisados. A artista reuniu em uma só performance, três referências emblemáticas da arte: Valie Export, Paul McCartthy e Herman Nitsch. Além desta obra, será apresentada uma série de pequenas esculturas chamadas Tetéia´s Show: Ímãs de geladeira educativos. De aparente inocência, por serem pequenas e coloridas, as esculturas tomam proporções polêmicas, ao fazerem referência direta ao sadomasoquismo, à pornografia, às anomalias genéticas, etc. O incômodo visual causado por Karina repete-se através do olfato, numa instalação de Giorgio Filomeno com bitucas de cigarros recolhidas desde 2007 em diferentes cidades de Santa Catarina. O volume de bitucas presente na exposição é equivalente à produção anual de um fumante médio, ou seja, uma carteira de cigarros por dia, durante 365 dias, somando um total de 7300 bitucas de cigarros.

A situação comum e cotidiana de rasgar a carne e, em consequência disso, suturá-la, repete-se numa série de quatro gravuras de Eloah Melo e nas fotografias de Letícia Weiduschadt, sob forma de ritmo fantasmático que invade a imaginação e se impõe ao nosso olhar, não com a crueldade do corpo dilacerado, mas com a desnudez e fragilidade à qual estamos submetidos. Debora Pazetto explicita o interior do corpo ao colocar pedaços de carne sobre a própria pele. O erotismo surge nas fotografias como um movimento de depravação e sedução, o primeiro por tornar visível os extremos do corpo enquanto vianda, e o segundo pela visão romântica do nu feminino.

Ao ser perguntado sobre uma possível definição de corpo, Lendro Serpa respondeu: Fazendo o trabalho pensei no corpo como o lugar da morte. A obra referenciada é uma aquarela de 25m, feita especificamente para a mostra CERVICAL. A resposta do artista vai de encontro com a própria obra, sobretudo quando entendemos que o humano é incapaz de assemelhar-se consigo mesmo. Marina Borck e Noara Quintana, ao contrário de Leandro, buscaram no corpo o lugar da fabulação. Há aproximadamente um mês as artistas começaram uma performance sem data para terminar. Noara, aos poucos, está transformando a artista Marina num personagem, vivido por ela mesma, através da semelhança física e comportamental. A obra apresentada faz parte de uma série de fotografias, rastro que configura-se como o próprio trabalho.

Vista geral

Letícia Weiduschadt

Karina Segantini

Jorge Luiz

Eloah Melo

Giogio Filomeno & Giorgio Filomeno

Debora Pazetto

Priscilla Menezes

Marina Borck e Noara Quintana

Leandro Serpa (fundo)

* Tira de mim esse eu mesma: A alteridade na performance de Debora Pazetto

2009-11-10T07:30:00.000-08:00

Por

Kamilla Nunes, novembro de 2009

O que vejo? Não sou eu frente ao outro, mas os outros dela frente a mim, frente a uma multidão de pessoas, outros sob forma de vendedor de carteiras, travestido de, travesti. (1) Ou, resta apenas a incompletude do que entendemos, aqui, como outro, outridade, alteridade: Que outros? A artista Debora Pazetto dedicou-se a sair de si, a querer ser em outro, a sentir dores desconhecidas, o inominável, um uivo que sai da garganta como que por si só (2) . Durante três dias, a artista incorporou gestos, expressões e vestimentas de outrém. Aparência de algo que, até então, era percebido como uma espécie de escritura, uma realidade estrangeira, uma vivência do abismo provocado pelo outro quando este outro passa a ser parte dos outros já existentes no Eu.

Para levar ao limite aquilo que, do corpo do outro, pode ser reconhecido no seu corpo pelo público (abismado, acanhado e ludibriado), a artista provoca a desfiguração do Eu, em contrapartida ao outro, movimentando-se no esquecimento sem esquecimento, o esquecimento sem possibilidade de esquecer (BLANCHOT, 2007, p. 172). A desenfreada imaginação de uma filósofa e escritora chamada Lídia Farfalla Relampazzo, convida a artista a viver a personagem criada por ela, convida-a a esquecer o seu Eu aparente e colocar o outro no lugar de si, não como encenação ou interpertação teatral, mas como esquecimento do atual corpo existente. Anterior a esse contexto, Debora propõe a Lídia:

Forje para mim um OUTRO. Serás para mim como um deus caprichoso e eu seguirei teus mandamentos. Quem é meu Outro? Onde vive, como se chama, como é sua casa, como ocupa seus dias, do que se alimenta, como se move? O que ama e odeia, como se expressa, quais são seus gestos, sua voz, seu olhar, suas preferências, seus medos? Como é sua aparência? Quais são seus hábitos, sobre o que escreve, como se sente, no que pensa? Tu me darás de presente uma pessoa. Essa pessoa eu serei, por três dias. Não fingirei ser, serei. Meu presente para ti será a existência da pessoa que criarás. Uma pessoa real, esculpida pelas tuas palavras sobre a matéria da minha carne. Uma aparição fantástica na esfera da existência. Traz a mim meu Outro, tira de mim esse eu mesma.

Não, não se trata de teatro do invisível, de engajamento social, de resistência ou negação do eu e dos outros que existem na artista, mas sim de sedução e gozo para com o desconhecido, de vivência sem significância aparente. A linguagem também é falo, o prazer também é alteridade. O enigma dessa relação, do eu e do outro, dos outros que são eu e do outro no lugar dos outros Eus, de forma que o abismo se reduplica em constância levada ao quadrado cúbico, provoca, sem meros, o estranhamento para com o corpo reconhecido pela sociedade que o envolve. A artista mergulha no próprio fato de esquecer aquilo que se mantém à distância da ausência, à distância da presença, e que no entanto faz surgir a presença, a ausência, pela necessidade do esquecimento, é esse movimento de interrupção que nos pediriam que realizasse. – Esquecer tudo, então? (BLANCHOT, 2007, p. 172)

Não há aqui uma sombra de hesitação, um levíssimo ponderar, que possamos farejar na proposta da artista, na réplica da escritora e na tréplica da performer. Minhas expectativas foram saciadas pela ânsia de ver no outro o desejo de se tornar estranho a si mesmo. Continue a entregar-se aos seus desábitos, eu diria a ela, neste instante. Arremesso de fora, no dentro. Se a obra dispersa o autor, como sugere Blanchot, Lídia continuará na condição de solitária, pertencida à sombra do acontecimento, não à sua realidade, não à imagem, não à representação, não ao objeto. As palavras estão fadadas às palavras e as imagens às imagens? A personagem vivida por Debora é de todo desconhecida por nós tanto quanto a artista o é para si mesma. A personagem de Lídia feita com a intenção de existir no corpo do outro tampouco é a mesma que este corpo trouxe à existência. Dois ecos esbarrados contra o silêncio. Se escrever é fazer-se eco do que não pode parar de falar, performar é, também, fazer-se eco do que não pode parar de existir, enquanto se performa.

É apenas diante de seu próprio rosto que a artista toma conciência da experiência que a despoja de si mesma. É no não reconhecimento de si pelo outro que a aparição se torna, de uma vez por todas, aparência. Para que a arte tome forma no corpo e na ação da performer, é preciso que acabe a arte da ficção. Não acredito na legitimação desta performance como ficção, mas como o domínio mais complexo da existência, tornar-se outro, querer-se outro, ser-se outro. Deixar à deriva o mito do Eu. Não nego a faculdade de Ser, de Ser Outros, de Outros virem a Ser, novamente, portanto, todas essas existências são arbitrárias, porque tais ações advindas de palavras remetem ao ilusório no qual a arte é fundada. Quando os seres faltam, o ser apresenta-se como a profundidade da dissimulação na qual ele se torna falta. Quando a dissimulação, convertida em aparência, faz “desaparecer tudo”, mas desse “tudo desapareceu” faz ainda uma aparência, faz com que a aparência tenha doravante seu ponto de partida no “tudo desapareceu” (BLANCHOT, 1987, p. 255).

O elemento constitutivo da performance (literatura) entra em colisão com o discurso da artista na medida em que aquele é dissolvido neste. A resposta de Lídia à Debora possui um tom de desafio, um pouco de descrença e outro pouco de ansiedade:

Abandona agora o teu Eu e te entrega a este Outro para o qual te convido. E se reencontrares teu pensamento original em ti mesma, nega-o! Sentindo um leve roçar do teu antigo Eu, afasta-o. Se o atavismo golpear-te, tu lutas! Se o medo te assaltar, tu resistes. Não te esqueças: apaga as velhas pegadas. Pisa de Novo. Mergulha na lógica-ilógica deste ser humano. E se por algum acaso ou falha minha tu o sentires pesado, não deixes nunca de divertir-te!(3)

Resto, cadáver. Tontura de afasia. A morte ronda o discurso, posto que o parecer-se consigo mesma é desvantajoso. Querer ser o outro elimina a possibilidade de querer ser algo que remeta ao que se era quando não se é o outro. Debora flutuou no vazio informe, no não dito, no improvável. A personagem toma o lugar do “original”, enquanto este sobrevive como aparição rechaçada, tal como o cadáver passa a parecer cada vez mais consigo mesmo, na medida em que a semelhança com o que outrora era entendido como humano, começa a desaparecer. Em meio à fumaça, ao insólito, às impossibilidades de existência em si, resta ainda a relação com o próximo, com as pessoas que estão distantes da inteligibilidade da situação apresentada. Emmanuel Levinas entende essa relação da seguinte forma: Yo soy para el otro en una relación de diacronía: estoy al servicio del otro. […] No se trata, en absoluto, de un acto de reflexión sobre si mismo: es una pasividad que no se opone ni siquiera a la actividad, porque ésta se encuentra más allá de la pasividad, que no sería más que el reverso del acto. (LEVINAS, 1998, p.193)

Há, portanto, instâncias de conversas infinitas submersas, despertando insistente ardência. A palavra que responde a palavra, a ação que responde a palavra, a ação que responde a ação. O desejo do outro não se torna, para mim, meu próprio desejo, mas, na relação entre Eu e Outro, entre aquilo que aparento e aquilo que o outro percebe, há um sentimento de veracidade, cumplicidade, de crença na imagem aparente, mesmo que momentânea.

De súbido, após 72 horas, todos os esforços para deixar de Ser-se e passar a Ser Outro some na nebulosa proposta de arte performática. Os trejeitos, a barba falsa, as gírias, o comportamento masculino, os hábidos adquiridos e todas as sombras criadas a partir de um personagem da literatura, dão lugar, outra vez, a uma mulher, filósofa e artista, cuja preferência à cerveja gelada abstrai o gozo pela quente. O vendedor de carteiras no centro de Florianópolis retorna, agora, como uma aparição da própria negação. Esta é ela, ou aquela, que sofre com a própria multiplicidade, dissolvida nos outros eus, incorporada nos eus dos outros.

1.Performance realizada por Debora Pazetto no mês de novembro de 2009 para a disciplina da professora Regina Melim. A artista passa três dias no centro da cidade de Florianópolis vivendo uma personagem criada por Lídia Farfalla Relampazzo. A escritora recebeu uma carta da artista (em anexo) pedindo que fosse criada uma personagem que, posteriomente, seria vivida por ela.

2.Fragmento da carta (Debora para Lídia)

3.Fragmento da carta (Lídia para Debora)

REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

1 BRANCHOT, Maurice. A conversa Infinita 2: A experiência limite. São Paulo: Escuta, 2007.

2 BRANCHOT, Maurice. O espaço literário. Rio de Janeiro: Rocco, 1987.

3 LEVINAS, Emmanuel. Dios, la muerte y el tiempo. Madrid: Cátedra, 1998.

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Carta de Debora Pazetto à Lídia Farfalla

Lídia,

Tira de mim esse eu mesma. Com desastre e brutalidade, porque assim o espero. Como quem não suporta mais ficar em si.

Tudo que sinto é multicor e disforme, mas as palavras são sempre as mesmas. Não suporto escrever. Não suporto não escrever. Falta gramática ao ser. Sabemos disso como quem sabe da quentura da saliva na boca e da porosidade rígida do osso. Vem agora, porque de devastada já basta a vida. Devastada que sou viva, terra remexida e negra, galho ressequido, água pantanosa que engole a singeleza em cada recuo. Fundura de poço, aguilhão demoníaco, eterno cansaço, BUSCABUSCABUSCA, sempre no encalço de algum não sei o quê.

Barulho aqui dentro de um pulsar esmaecido, de uma unha que se parte, ranger de dentes, cascalho. Distante o fora, o lá fora, os trajetos do tempo real que os físicos descrevem, que os relógios enumeram, que as pessoas de ternos louvam, que as agendas organizam. Aqui dentro tudo é mais próximo, na minha caverna, no meu escuro. O fora parece um sonho de outra pessoa, uma lenda antiga de uma raça esquecida, um conto escrito numa língua morta que já não posso decifrar. O fora é um continente de sentido perdido, como quando se repete uma palavra tantas vezes que ela fica engraçada, um som oco, sopro de vento. Sou uma ação que sempre se repete sem saber por que, um hábito, um cacoete. Aqui dentro sempre comigo sou fundura de poço, aqui na solidão da minha gruta, abismo, negrume, fogo-fátuo, vida que se esvai e que se retém por puro prazer jocoso-gozoso. Infinito barulho de passos sob meus pés. Movo-me sobre a geometria dos assoalhos e sob um não-sei-quem-memória, algum passado sempre agora-aqui no ponto zero do instante.

Em mim o silêncio foi ganhando idade. O dentro, o dentro. Abismo, fundura de poço, opacidade sempre em busca do mais. A água do rio, quando se mergulha mais fundo, vai ficando mais pantanosa, mais pegajosa, dá mais medo, mas não dá mais de subir, de voltar à tona. Respira-se menos. Mas se quer ir sempre mais fundo e a coisa pantanosa te prende te engole te deglute os membros. Quero sair de mim, quero ser em outro algo que não esse pardal lamacento, essa cobra que mastiga o próprio rabo. Faze com que saia da minha boca palavras que não reconheço, que saia do meu corpo prazeres alienígenas, dores desconhecidas, o inominável, um uivo que sai da garganta como que por si só. Resgata-me dos destrajetos desse corpo MEUMEUMEU para longe da escuridão do eterno acontecer de mim.

Bárbara, forje para mim um OUTRO. Serás para mim como um deus caprichoso e eu seguirei teus mandamentos. Quem é meu Outro? Onde vive, como se chama, como é sua casa, como ocupa seus dias, do que se alimenta, como se move? O que ama e odeia, como se expressa, quais são seus gestos, sua voz, seu olhar, suas preferências, seus medos? Como é sua aparência? Quais são seus hábitos, sobre o que escreve, como se sente, no que pensa? Bárbara, tu me darás de presente uma pessoa. Essa pessoa eu serei, por três dias. Não fingirei ser, serei. Meu presente para ti será a existência da pessoa que criarás. Uma pessoa real, esculpida pelas tuas palavras sobre a matéria da minha carne. Uma aparição fantástica na esfera da existência. Traz a mim meu Outro, tira de mim esse eu mesma.

Saudações,

Debora Pazetto.

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Resposta de Lídia Farfalla à Debora Pazetto

Olá Débora!

Fui buscar aquilo que tu me pediste! Que trabalho me fez passar, mas parece que consegui. Digo-te que poderia investigar esta pessoa minha vida inteira. Sinto que deixei para trás muitas lacunas. Há tantas coisas que me esqueci de perguntar, uma porção de pessoas com quem não tive a chance de conversar... Se me deixassem, fazia deste um processo infinito de incisão ficcional na realidade. Vislumbro esta possibilidade, pois quanto mais busco, mais encontro formas de fazer esta pessoa vir-a-ser. Com maior força seus domínios ficcionais se estendem sobre o campo do real. Correndo o risco iminente de me tornar mais um Caden Cotard, me sugeriram parar por aqui. Segui o conselho. Mas no momento de avaliar isto que fiz, fui entrevendo que pus a tua disposição muita informação supérflua. Detectei mentiras, lugares onde me enganei. Contradições gritantes e, pode até ser, uma pisca de benevolência excessiva da minha parte. Talvez tu venhas a descobrir detalhes importantes que não atinei. Eu assim o espero. Nesta inquirição disparatada, também as minúcias me deixaram em dúvida: tu tens um gato, mas poderia ser um cachorro. A cicatriz no braço talvez devesse ter ficado na nuca... Estas coisas, me entendes? O que esta pessoa não sabe de si, eu não posso te contar, do contrário tu obterias informações às quais não se tem acesso, aquilo que cada um ignora em si.

Eu te acompanho apenas até o ponto em frente à velha ponte: prá lá dela apenas tu segues solitária em direção ao ponto final. É tudo que eu posso te dar – falta-me espaço no filme, o rombo no orçamento não pára de crescer e me irrita este maldito câmera, que pôs a perder os melhores momentos... De qualquer forma, não se trata de um longa-metragem, não é mesmo? –, o resto terás de compreender sozinha, coisas que nem eu mesma sei. O inesperado. As surpresas deste pele-a-pele. Anda, vai saltar o hiato que há entre eu e esta pessoa. Ocupa este lugar obscuro, objeto de intensas guerras. Abandona agora o teu Eu e te entrega a este Outro para o qual te convido. E se reencontrares teu pensamento original em ti mesma, nega-o! Sentindo um leve roçar do teu antigo Eu, afasta-o. Se o atavismo golpear-te, tu lutas! Se o medo te assaltar, tu resistes. Não te esqueças: apaga as velhas pegadas. Pisa de Novo. Mergulha na lógica-ilógica deste ser humano. E se por algum acaso ou falha minha tu o sentires pesado, não deixes nunca de divertir-te!

Seja bem vinda, Débora.

Que tudo corra bem,

Lídia

* Hélio Oiticica e a cultura dos escombros

2009-10-18T10:22:00.000-07:00

Por

Daniela Name

Passei o dia de ontem em clima de velório, recebendo ligações de artistas que, aos prantos, me passavam relatos dos escombros do incêndio que destruiu boa parte da obra de Hélio Oiticica, na reserva técnica mantida por seus herdeiros numa casa no Jardim Botânico. Alguns, como a querida Suzana Queiroga, foram até a casa chorar pelo morto. Sim, a destruição da obra de Hélio foi sua a segunda morte e, em se tratando de um artista, a extinção de sua anima, morte definitiva.

Mesmo em meio ao luto, é preciso evitar que novas tragédias aconteçam. Ontem, ao acordar com a notícia, escrevi neste blog que obra de arte não pode ser tratada como álbum de família (veja aqui). Continuo achando a mesma coisa – há muito o que se discutir e regulamentar em relação ao papel dos parentes dos artistas na manutenção de acervos e autorizações de curadorias e livros, sem destitui-los dos direitos legítimos que têm como herdeiros.

É preciso, no entanto, avançar na discussão. O fogo que lambeu obras fundamentais como os “Relevos espaciais” ou os caderninhos de anotação de HO – tão importantes para a compreensão de seu trabalho -, destruiu também todos os negativos de José Oiticica Filho, o JOF, pioneiro da fotografia nos anos 1940 e 1950, pai de Hélio e sua maior influência. Mais do que servir para que se crucifique apressadamente a família, o incêndio deve ser um alerta: estamos soterrados por uma cultura de escombros.

O que aconteceu à obra de HO também ameaça, neste exato momento, a obra de inúmeros artistas. Isso ocorre porque a lógica da Cultura no Brasil é completamente torta, precária, tacanha. Vivemos em uma cidade, em um Estado e em um país onde o Poder Público deixa exclusivamente nas mãos das Leis de Incentivo – e, portanto, dos empresários da iniciativa privada – a decisão sobre a aplicação de verbas em projetos culturais.

Produtores, curadores e artistas vivem numa constante corrida do ouro, completamente desvalidos de diálogo, proteção e incentivo DIRETO por parte dos governos. A ação dos administradores públicos na Cultura não é um direito, é um dever. Eles foram eleitos para isso. Por tal motivo, não podem ser interventores nesta atuação: precisam ser sensíveis às demandas.

Se por um lado é espantoso que a família tenha mantido a obra de HO numa casa do Jardim Botânico, por outro é igualmente aterrador que nenhum grande museu do país tenha feito uma proposta concreta – e sustentada pelo poder público – para abrigar a obra do artista em regime de comodato, dando a ela toda a visibilidade e a segurança que um acervo como o de Hélio merecia.

É certo que o Centro de Artes Hélio Oiticica abrigou parte do acervo por um tempo, mas sem as condições necessárias para tal e sem uma política constante de exposições. Se por um lado a família atravancava mostras que não fossem diretamente sobre o acervo de Hélio – um erro absurdo num lugar que abrigou exposições como a de Richard Serra ou o último panorama da obra de Lygia Pape, ricas conversas com o “dono” da casa – por outro o município nunca tratou o CAHO com a prioridade necessária.

Fico pensando no acervo de Franz Weissmann (1911-2005), contemporâneo de HO no Grupo Frente, escultor essencial para a compreensão da arte brasileira recente. Sua obra, parte integrante da paisagem do Rio de Janeiro, graças a esculturas públicas instaladas em pontos como a Rua Luís de Camões ou a Avenida Chile, está ameaçada. Apesar de pedir ajuda a todas as esferas do poder público há anos, a filha de Weissmann, Waltraud, a Wal, luta sozinha com seu marido para preservar a obra do pai. As peças estão armazenadas em condições precárias – de instalações e de segurança – em um galpão em Ramos, na Zona Norte. O GLOBO, maior jornal da cidade, deu uma capa de domingo de seu Segundo Caderno, assinada por Mauro Ventura, denunciando os riscos que a obra de Weissmann corria. De nada adiantou.

Wal também fez muitas reuniões com o Iphan e com a Secretaria Municipal de Cultura, tentando achar um lugar para a criação de um Instituto Weissmann, onde a obra possa ser abrigada e visitada pelo público. Até agora, houve muita conversa, muita promessa de empenho, mas nenhuma ação concreta. No galpão em Ramos, estão esculturas monumentais, peças de menores dimensões e os inúmeros estudos que Weissmann fazia com arame e papelão e revelam a minúcia de seu processo criativo.

Wal não quer vender este tesouro. Não pretende enriquecer com a obra de Weissmann e vive com simplicidade ao lado do marido, gastando suas reservas financeiras para preservar a obra. Afirma que, por não ter filhos, quer dar um destino para o legado do pai. Mas, diz, é claro, que precisa sentir firmeza, precisa se sentir segura. Está certíssima.

Houve uma grande mobilização pela restauração do painel de Aluísio Carvão na Lagoa (leia aqui). A Fundação Parques e Jardins se posicionou, dizendo que ia resolver o problema e conseguiu silenciar o movimento por um tempo. Mas não ouço falar sobre prazos. Quais são, então?

O mesmo Segundo Caderno do GLOBO, em reportagem assinada por Suzana Velasco, mostrou a precariedade das esculturas públicas de artistas da importância de Celeida Tostes, Angelo Venosa, Ivens Machado, José Rezende e Waltércio Caldas espalhadas por vários pontos da cidade. O que vai ser feito?

A secretária municipal de Cultura, Jandira Feghali, a secretária estadual de Cultura, Adriana Rattes, e o Ministro da Cultura, Juca Ferreira, podem alegar que os orçamentos da Cultura são tão baixos que muitas vezes ficam de mãos atadas. Não estarão mentindo. Mas é preciso então que pressionemos os três para que de fato cobrem mais verba de seus superiores. Eles precisam dizer o que têm feito para conseguir mais dinheiro para cuidar de nosso patrimônio. Qual é a estratégia, além das lamentações?

Também é preciso perguntar ao Eduardo Paes: prefeito, o que o senhor pretende fazer com a obra de Franz Weissmann? A escultura pública de Ivens Machado, no Largo da Carioca, vai perecer até começar a soltar pedaços em cima dos passantes?

Escultura de Ivens Machado na Carioca, quando ainda estava em bom estado

Outra pergunta, para Sergio Cabral: o senhor não acha que a construção espetacular do Museu da Imagem e do Som, na Praia de Copacabana, onde hoje funciona a boate Help, deveria gerar uma discussão mais consistente sobre a memória carioca, envolvendo DE FATO a classe artística?

Por fim, para o Juca Ferreira: ministro, como o senhor pretende armar o Iphan de recursos e de uma estratégia concreta para a preservação de nossa memória artística?

=== + ===+ ===+===

A hora é de luto, mas também de debate e ações efetivas. Não dá mais para ficar lamentando o que não foi salvo no rescaldo. Eu fiz as minhas perguntas, quem vai fazer as suas? E quando vamos perguntar todos juntos?

http://daniname.wordpress.com/2009/10/18/helio-oiticica-e-a-cultura-dos-escombros/

* 40` Mostra de Performance

2009-10-17T11:31:00.000-07:00

Arte Gráfica: Priscila Menezes
Fotografia: Marina Borck
Filmagem: Lucas Kinceler e Narjara Reis
Desenhos (abaixo): Jorge Luiz
(Tudo feito de graça, não houve incentivo, registro aqui a importância dos amigos-artistas nessas horas...)

Por

Kamilla Nunes

O projeto colaborativo 40` Mostra de Performance propõe uma abordagem conceitual sobre a construção de performances, partindo de uma visão crítica de interlocução com ações performáticas de um passado recente. Propomos uma revisão destas ações e imagens, confrontando as narrativas criadas em torno de alguns cânones da arte, estabelecidos como padrões hegemônicos.

Em 40` Mostra de Performance haverá cinco ações concomitantes, num tempo exato de 40`, interpondo artes plásticas, teatro, música e dança, através da improvisação e da interferência. Queremos suscitar reflexões sobre os paradigmas da performance fora do conceito engessado e tradicional que encerra a obra como estereótipo.

As conversas constantes com os artistas convidados provocaram trocas e contaminações, tanto com relação à concepção curatorial antecedida das obras, quanto à influência de uma ação performática sobre a outra. A busca por uma situação que pudesse chamar a atenção do público para os aspectos acerca do imaginário, ficção e subjetividade, contribuiu, portanto, para o desenvolvimento e execução deste projeto.

Contextos visuais e movimentação/estaticidade corporal são as conexões evidentes das cinco performances, ao mesmo tempo em que elas formam um conjunto de ações dissonantes, ao tencionarem as barreiras que circunscrevem os artistas como mitos e gênios em redomas de vidros isoladas e intocáveis.

Mostra de performance: Quinta-feira, dia 22 de outubro, no Memorial Meyer Filho às 18h.

* Blackground Gallery II

2009-10-05T08:18:00.000-07:00

Teresa Siewerdt

Breve Currículo:

Contemporão: Mostra coletiva de arte, curadoria de Yiftah Peled ( março 2009), Verbo 08, participação em performance com Yiftah Peled e Maíra Vaz Valente.( São Paulo, 2008), Projeto Malote, mostra coletiva de artistas( Centro cultural banco do nordeste, Fortaleza, 2008) , Spam, mostra coletiva de intervenções urbanas (Fundação Hassis, Florianópolis, 2007); Por um Triz, mostra coletiva(Fundação Hassis, 2006), Mais perto, mostra coletiva de arte contemporânea.(Galeria Ybakatu, Curitiba, 2006); 15º Vídeo Brasil (Sesc Pompéia, São Paulo, 2005). Como curadora participou do projeto Contramão, concebido pelas artistas Adriana Barreto, Bruna Mansani e Joseana Wilerding, realizando em 2006 uma proposta curatorial dentro se sua própria casa. Curadoria em parceria com Kamilla nunes da mostra Impremeditações, propondo um diálogo entre os trabalhos de sete artistas contemporâneos de Florianópolis e o do modernista Meyer Filho, na Galeria Pedro Paulo Wecchietti e no Memorial Meyer Filho.

Dispositivo, 2007

Sensação Insuportável. Carimbo sobre guardanapo, 2009

Sem título, 2001

Obra em processo, da série Invasores. Espécie ivasora.

Sem título, 2008. Da série Influxus. Fotografia

Stencil na rua (a partir de radiografia)

Still de vídeo. Da série Espaços Suspeitos, 2004

Still de vídeo. Da série Espaços Suspeitos, 2004.

Todos os espaços são suspeitos, 2004 (até hoje)

msn: jaexisteesteemail@hotmail.com

gmail: teresasiewerdt@gmail.com

site: http://www.vimeo.com/6584865

Blackground Gallery está localizada no final desta página.

A cada duas semanas, um artista é apresentado aqui neste Blog, através de imagens de trabalhos expostos anteriormente em espaços não-virtuais.

* Giorgio Filomeno

2009-09-15T18:27:00.001-07:00

O colecionador de coisas desúteis

Por Kamilla Nunes

Giorgio Filomeno é, antes de artista, um colecionador de coisas desúteis: senhas com terminação “69”, alfinetes, cigarros roubados, chepas de cigarros, ímãs de todos os tamanhos e potências, cartelas de anticoncepcional vazias doadas por centenas de mulheres, entre outras obsessões.

Suas trilhas de formigas plotadas estão infestando o país como uma praga. Há poucos dias, fiquei hospedada na casa de um amigo em Joinville e, neste caso, a surpresa encontrava-se na parede desta mesma habitação: “Até aqui?”, perguntei-me. Nem os metrôs de São Paulo foram poupados. A trilha na fachada do Museu Victor Meirelles durou apenas uma noite e algumas horas da manhã que a acompanhou. Ameaça?

Ao contrário, no banheiro da Galeria Arquipélago, as formigas foram alimentadas sem que as diretoras soubessem quem era o dono de tal intervenção. Vez ou outra abro um sorriso durante as viagens de ônibus por Florianópolis, ao perceber o espanto das pessoas que se deparam com a intervenção, por acreditarem numa veracidade inexistente.

A situação mais cômica até agora, já que é disso que estou me propondo a falar, foi ver minha mãe e meu irmão tentarem dar “petelecos” numa dessas formigas instaladas no espelho do banheiro. Vocês acreditam que a formiga sequer se moveu?

Elas saem de pequenos buracos inomináveis e entram em outros, ora mais pertos, ora mais distantes. Às vezes, elas se perdem e retornam para o mesmo local... Um trompe l´oeil que seduz, espanta e, para os familiarizados, provoca risos e boas lembranças: “O Giorgio passou por aqui”, pensamos.

Ao ser entrevistado no Estúdio 36 em agosto deste ano, Giorgio falou sobre a impossibilidade de conter formigas. Só não ficou claro se a impossibilidade de contenção está nele ou nelas. Ele passa o dia com cartelas de formigas nos bolsos, entrando e saindo de lojas com tubos de senhas a procura do número “69”. Semanalmente esvazia garrafas de “Pureza” repletas de chepas de cigarros e armazena todas elas em galões de água de 5 litros. Sua mão tem “beliscões” por toda parte, causados pela força de atração dos ímãs, também parte desta coleção microcósmica.

Quem escreve este texto é uma amiga que, desde há muito, admira o trabalho deste curioso artista, conquistador e desbravador de campos invisíveis e olhares desatentos. O humor já começa no nome do trabalho: Ants Fosse. "Faltou um 'e'", corrigem as pessoas, desatentas ao significado desaportuquesado da palavra. Termino com o próprio artista:

antes fosse tudo mais simples,
antes soubessemos nos ententer,
antes tivessemos comedimento,
antes respeitássemos nosso meio,
antes nos entendessemos em sociedade,
antes houvesse unidade,
antes buscassemos equilibrio,
antes fossemos formigas

Para visualizar as imagens dos trabalhos, clique em:

http://liquidovermelho.blogspot.com/2009/09/galeria-randomica-i.html

* Relato: A produção de arte em Joinville

2009-09-13T18:40:00.000-07:00

Neste final de semana fui visitar as mostras nos espaços de arte de Joinville. Um pouco insólito, em virtude da corrida contra o tempo e da presença da curadora Angelica de Moraes que, nesta mesma data estava dando um curso pelo Instituto Schwanke sobre "Pintura expandida", termo ressignificado, retirado da concepção de Escultura em Campo Expandido de R. Krauss. Gostaria de ressaltar que a produção efervescente dos artistas residentes em Joinville e as parcerias visíveis entre curadores e artistas, foi que o mais chamou a minha atenção.

Mesmo com os problemas recorrentes enfrentados pela maioria das instituições de arte (falta de incentivo financeiro) Franzoi, Tirotti e João estão desempenhando um valoroso trabalho ao dar visibilidade e, mais que isso, incentivar a produção em arte numa cidade prioritariamente industrial, conhecida principalmente como a cidade da dança, em virtude do famoso Balé Bolshoi.

Diferente de Florianópolis, a impressão que Joinville deixou em mim foi de respeito e carinho pelos artistas modernos e pela produção de arte contemporânea alheia e conterrânea. Boicotar ações que os artistas discordam, "peitar" as políticas ditatoriais, reclamar o espaço da arte e a sua qualidade, além da produção de obras políticas não partidárias e engajadas, são algumas das percepções que eles deixam gravadas nos viajantes desavisados. Florianópolis não é muito diferente, mas, talvez porque capital, possui mais "panelas" de artistas, grupos < > e, aparenta uma individualidade e segmentação que Joinville, se possui (e acredito que sim) não torna visível.

Extenuação da Pilhagem, entre Ganhos e Ausências é uma exposição que está acontecendo no mais novo espaço de arte da cidade, a galeria do SESC, diga-se de passagem, uma sala tentadora e preparada para receber a arte de forma respeitosa. A curadoria de montagem é de Giogio Filomeno e a geral é de Roberto Freitas, que selecionou os artistas Tirotti, Franzoi, Kolb, Priscila dos Anjos, Gugue e Patrícia Neermann para fazer o que o nome da exposição já indica: Pilhar e ausentar. A pilhagem é visível e impactante. A ausência também. Priscila dos Anjos e Patrícia Neermann quebram o sepia de Tirotti, Franzoi e Kolb com o azul do céu e o azul do metal travestido de pintura. Entre um azul e outro, a saturação advinda da sobreposição de livros dos quais apenas alguns devem ser engolidos e, muito poucos, mastigados e digeridos.

Ater-se a cada uma das obras resultaria, no mínimo, em uma dissertação, posto que todos os trabalhos apresentam e re-apresentam discussões não apenas da história da arte e literatura, como lidam com sentimentos caros aos humanos, como a solidão, a morte, o esquecimento, o excesso e a efeméride. Gugue, artista residente em Joinville cuja produção começou a se efetivar na Ilha de Santa Catarina, revelou uma maturidade enquanto artista que assusta tanto pela qualidade da composição e fatura da obra, quanto pela temática pertinente da violência, antes irônica do que reacionária, a começar pelo suporte.

Termino com um obrigada, pela atenção e gentileza da diretoria do Instituto Schwanke e, em especial, aos artistas que mesmo num sábado nublado, abriram as portas das instituições para nos receber.

Franzoi e Gugue

Néri Pedroso, Tirotti e Gugue

(Ká) Franzoi e Franzoi.

Vista geral

Franzoi, Angélica de Moraes, Néri Pedroso e (Ká) no Instituto Schwanke

* Sobre a Atividade Curatorial Independente no Brasil

2009-09-11T11:55:00.000-07:00

Por Danila Labra

Texto apresentado no simpósio Panorama do Pensamento Emergente. Organização: Cristiana Tejo. Recife, 2008

Iniciei minha atividade com curadoria há 5 anos, num projeto onde me julgava a produtora, mas que na verdade exercia a função de curadora: argumento, proposta teórica, pesquisa, seleção dos artistas, negociação dos projetos artísticos e viabilização financeira e institucional: tudo havia sido proposto e acompanhado por mim. GearInside era o nome da empreitada que levou 10 artistas brasileiros para uma residência investigativa sobre intervenções urbanas de cunho político em Rotterdam, Holanda. Ao ler meu nome como “curadora” nos impressos em inglês, me senti mal. Não me via preparada para assumir tão pomposo cargo, e tão pouco tinha alguma orientação de como proceder nas etapas que envolvem o trabalho curatorial. Tudo o que foi feito deu-se pelo instinto e, apesar de na época ter saído viva com diversas escoriações, a experiência foi o abre-alas para muitas outras que se deram depois no campo da curadoria.

Até 2003, minhas parcas vivências com a atividade curatorial haviam se dado levemente na academia e depois, nos fundamentais encontros do grupo de ‘jovens críticos’ no Centro Mariantonia, coordenados pelo professor Lorenzo Mammi. Essas vivências no entanto, não me prepararam para exercer a prática da curadoria com algum nível de segurança e conhecimento de causa. O que sei do rol curatorial aprendi no auto-didatismo, estando apoiada numa formação profissional de base interdisciplinar.

Não pretendo porém, tirar de meus colegas esse mesmo mérito. Sabemos que não há uma escola que forme curadores no Brasil e que, mais importante ao meu ver, não há possibilidades de estágios e treinamentos em instituições que poderiam dar esse suporte. Os cursos de curadoria que já despontam por aqui, me deixam dúvidas sobre uma mão de obra que irá se especializar para trabalhar num meio onde faltam coisas muito mais básicas do que curadores e artistas.

Dentre as carências do meio, ainda tateamos para que haja uma definição sobre o que são as bases de trabalho do curador. Assim como os artistas se queixam da falta de profissionalização que os expõem a não pagamento de cachês, falta de seguro de obras, uso indevido de imagens, entre outros, o oficio do curador também fica à mercê de sustos que poderiam ser evitados caso houvesse maior acordo sobre as responsabilidades e direitos desse profissional e do espaço que acolhe seu projeto. O curador autônomo que se arrisca um pouco mais, está sujeito a trabalhar nos mais diferentes tipos de situações: de grandes instituições públicas a salas alternativas, passando por galerias comerciais a eventos corporativos – cada um com sistemas e possibilidades de financiamento distintos, é bom lembrar. Para mim, tais experiências têm sido muito gratificantes, possibilitando o conhecimento de diversas estratégias de atuação e fazendo-me deparar com situações as mais díspares.

Foi nessa trajetória-aprendizado que fui compreendendo as tais responsabilidades e direitos do curador, sendo muito comum, porém, isso só ficar entendido unilateralmente: o que está claro para mim, nem sempre está claro para os parceiros institucionais de meus projetos. Vez por outra me vejo às voltas com desrespeitos a minha atividade e por extensão, à do artista convidado, sendo muito constrangedor. Raramente assinamos contratos quando fazemos uma exposição modesta e principalmente, quase sempre devemos adequar os trabalhos ou até a proposta expositiva às inadequações de espaços caquéticos que oferecem uma sala, algumas lâmpadas, um folder e nada mais. São poucos os espaços de arte que realmente estão abertos para os desafios que a arte contemporânea traz. Editais e locais sem verba alguma e/ou galerias de exposições temporárias em edifícios históricos sem estrutura, onde não se pode furar, pendurar ou pintar as paredes são corriqueiros. Entretanto, muitas vezes não sabemos de ante mão o tamanho da cilada, só nos deparando com a inadequação institucional na hora da execução da exposição e aí, já pode ser tarde para fugir.

O curador autônomo muitas vezes banca também o produtor (quando não está trabalhando com algum) devendo cuidar, além da parte conceitual, da logística que envolve adequação de orçamento e prestação de contas. Imagino que à frente de uma instituição, esse profissional deve igualmente se preocupar com essas questões, mas é apoiado por um conselho administrativo que lhe ajuda com a burocracia pesada.

Embora aponte para dificuldades da prática autônoma, há também um lado muito belo em poder ter liberdade para apostar em projetos próprios. O nó górdio no entanto continua sendo onde e como apresentar, no Brasil, esses projetos para que eles possam acontecer com a devida verba e respeito, mantendo-se íntegros. Como, ‘chutar o pau da barraca’ nem sempre é a solução, devemos procurar o diálogo com a instituição. Mas quando o diálogo emperra – ou não existe… O que podemos fazer?

http://www.artesquema.com/escritos/sobre-a-atividade-curatorial-independente-no-brasil/

* Como Fazer Cinema

2009-09-10T11:57:00.000-07:00

Por Alejandro Jodorowsky

1. PRIMEIRA LIÇÃO Sentar-se do amanhecer ao anoitecer na frente de uma árvore sentindo a luz. Voltar por sete dias seguidos e fazer o mesmo.

2. SEGUNDA LIÇÃO Voltar à noite com uma lanterna e iluminar a árvore por infinitos pontos distintos.

3. TERCEIRA LIÇÃO Colocar-se a um quilômetro da árvore. Olhar para ela fixamente e avançar centímetro por centímetro em direção a ela até que, depois de algumas horas, se choque o tronco com o nariz. (As duas primeiras lições servem para desenvolver o sentido da luz. A terceira para desenvolver o sentido da distância).

4. QUARTA LIÇÃO Colocar-se em um interior ou paisagem e mover-se pensando que seu próprio peito fotografa, depois pensando que a sua cara fotografa, depois o sexo, depois as mãos.

5. QUINTA LIÇÃO Coloque-se em um lugar e sinta que você é o centro dele. Logo sinta que está sempre na superfície ao redor do lugar. Ao final rompa a idéia de centro e superfície. Está aí, tudo está em você e fora de você ao mesmo tempo. Você é a parte do lugar. Existe o lugar. Você desapareceu!

6. SEXTA LIÇÃO Procurar a cor que não tem cor. Pegue uma página branca e veja suas cores. Pegue uma página preta e veja suas cores. Veja as cores de um vidro transparente. Descubra o arco-íris em um pedaço de terra, em um cuspe, em uma folha seca. Expresse a cor com materiais sem cor. Na verdade lhe pergunto, você sabe quantas cores tem a pele da sua cara?

7. SÉTIMA LIÇÃO Sinta as pontas dos seus dedos como se fossem a ponta da sua língua. Apóie as pontas dos dedos nos objetos do mundo pensando que são frágeis, que uma pequena pressão pode quebrá-los. Peça-lhes permissão antes de tocá-los. Antes de apoiar os dedos na sua superfície, sinta como penetra na sua atmosfera. Aprenda a sentir e a acariciar com respeito. Qualquer ação que faça no mundo com as suas mãos ou corpo pode ser uma carícia.

8. OITAVA LIÇÃO Pense que os atores vivem dentro de um corpo como centro de uma caverna. Peça-lhes que não gritem com a sua boca, e sim dentro de sua boca. Que não se expressem com a cara, e sim com vibrações. Viva debaixo da superfície. A superfície do rio não se move, mas você sabe que leva correntes profundas.

9. NONA LIÇÃO Não importam os movimentos de câmera. Ela deve mover-se somente quando não puder ficar quieta. Você leva o alimento na mão. A câmera é um cão. Faça-a seguir com fome o alimento. A fome faz com que o animal se apague. Não há cão, não há fome, não há câmera. Há acontecimentos. Você nunca pode comer a maçã inteira no mesmo instante. Tem que dar mordiscadas. Enquanto come, você tem uma parte. Deve saber que o pedaço que mastiga não é a maçã inteira. Você nunca pode ter a maçã inteira na boca porque por maior que seja a sua boca, não pode caber nela o fruto que é parte da árvore nem a árvore que é parte da terra. A tela é a sua boca. Ali entram pedaços. Partes do acidente. Não tente trabalhar com planos absolutos. Não creia que existe o plano melhor. Se pode morder a maçã em qualquer lugar. Se a maçã é doce, não importa onde você comece a comê-la. Preocupe-se com a maçã, não com a sua boca. Cineasta! Antologia de fragmentos, você também tem um fragmento, seu filme inconcluso, você é parte, é continuação. Não há encerramentos. Mate a palavra fim. Você começará um filme no dia em que ser conta que você simplesmente continua. Não procure o prestígio. Desdenhe os efeitos. Não adorne. Não pense o que a imagem vai produzir. Não a procure. Receba as imagens. A caça está proibida. A pesca está permitida.

10. DÉCIMA LIÇÃO Nunca trabalhe no papel seus movimentos de câmera. Chegue aos lugares pensando que você não irá mover a câmera, que não irá iluminar, que não irá inventar. Não crie cenas, crie acidentes. Não crie esses acidentes em direção à câmera. Você não está fazendo um filme, você está metido em um acidente. Parte do acidente são seus movimentos de câmera.

11. DÉCIMA PRIMEIRA LIÇÃO E de repente, o grande prazer. Um plano pensado com a câmera opinando com luz artificial, com “atuações” (uma verdadeira sobremesa!). De verdade lhe digo, por este caminho você pode chegar a fazer filmes de Hollywood dos anos 40. Se você quer ser um grande cineasta de vanguarda, volte a filmar “E O Vento Levou”, exatamente igual, com atores de corpos gêmeos aos de Clark Gable e Vivian Leigh. Se conseguir que seu filme não possa ser distinguido do original, você passou à história.

* II Festival de Primavera do Instituto Topofílico

2009-09-09T21:13:00.000-07:00

APRESENTAÇÃO

Este edital é uma convocatória do Instituto Topofílico e de suas entidades associadas (Fundação Gamadessa, “Umuarama”-Cobra, Fração Sepé Tiaraju e Societé Chien Andalouz de Boicote ao Cinema Francês) dirigida ao conjunto da população de Florianópolis e região metropolitana. Destina-se a estimular a participação no II Festival de Primavera que terá lugar na Travessa Ratcliff (a que leva à Fortaleza de Santa Bárbara), no dia 25 (vinte e cinco) de setembro (09), a partir do crepúsculo.

A idéia consiste na ocupação intensiva do referido logradouro público com manifestações que representem os diferentes “segmentos básicos da economia da cultura” (GAMADESSA, 2009), nas categorias: impulsiva, planejada, simultânea, contraditória, desconfortável, lírica-idílica, mordaz, com-e-sem fins lucrativos, coletiva, individual, alheia ou não a linguagens-contemporâneas, menção honrosa, e anti-arte (infantil). O conjunto destas ações constituirá o II Festival de Primavera do Instituto Topofílico.

O Festival contará com apoio logístico das destacadas organizações (com-e-sem fins lucrativos) sócio-culturais e boêmias que atuam na área, e que tornam (a Travessa) tradicional foco criativo em nosso progressista município (e por que não dizê-lo, em nossa Província e no Mundo).

O objetivo geral é o de divertir-se à farta, ébria ou sobriamente, amando, dançando, entortando os canecos e, claro, mostrando aos amigos e prováveis agentes culturais a mais nova produção artística de uma promissora geração.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS

- Viver juntos uma noite:

- Promover a circulação de gente e poesia na região da velha Desterro;

- Oportunizar maior acesso da população à música, arte e desregramento total/parcial dos sentidos;

- Oportunizar encontros com o belo sexo (que é todo aquele que se considera belo), afinal, de primavera se trata;

- Fomentar sentimentos controvertidos e apaixonados: iconoclastia, jacobinismo, preguiça, a rebelião operária, movimentos literários, desistência, renúncia, entusiasmo, idealismo, indiferença diante do Espetáculo;

- Apoiar os movimentos existentes de liberação da Travessa para atividades artísticas, culturais, boêmias: pelo alvará de funcionamento depois da meia-noite contra o infame toque de recolher! Todo apoio ao Instituto Arco-Íris contra a burocracia universitária que quer tomar seu espaço!

1. DO OBJETO

1.1 Este edital atinge o montante de R$ 0.000.000,00 (zero milhões e zero centavos de real) e contempla as seguintes áreas:

- Artes  do comércio ambulante

- Artes Visuais em suporte urbano

- Crítica e Diletantismo

- Dança e Poesia

- Debate em mesa de bar

- Malabarismo

- Outras

- Performance involuntária

1.2. O proponente deverá formatar o seu projeto de acordo com as exigências do regulamento geral do edital e de seus anexos.

2. DA ORIGEM DOS RECURSOS

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3. DA PARTICIPAÇÃO

3.1. Podem participar do Festival:

a) todas as pessoas físicas e metafísicas, domiciliadas no Planeta Terra há pelo menos um ano;

b) pessoas jurídicas, desde que venham de smoking;

c)burocratas a serviço de orgãos gestores da “economia da cultura”

3.2. É vedada a participação no Festival:

a) de policiais fardados, tiras à paisana, delegados de jogos e diversões, funcionários da secretaria de urbanismo e serviços públicos de Florianópolis e do governador do Estado de Santa Catarina.

b) de proponente que esteja em situação de pendência, inadimplência ou falta de prestação de contas em contratos e/ou convênios celebrados com o Instituto Topofílico e entidades associadas.

4. DAS INSCRIÇÕES

4.1. As inscrições são gratuitas e ficarão abertas para sempre

4.2. A inscrição será efetuada mediante a entrega de um envelope dentro de um envelope dentro de outro envelope (este último secreto), contendo sementes de plantas úteis.

4.2.1. O envelope dentro de outro envelope dentro de outro envelope deverá conter também um cartão de natal, endereçado a qualquer um dos membros do comitê central do Instituto Topofílico e entidades associadas. Este cartão não deverá conter o nome do proponente, mas, se possível, de algum antepassado ilustre.

5. DAS COMISSÕES

5.1. O gerenciamento desse edital cabe ao Instituto Topofílico e entidades associadas, que são os agentes irresponsáveis por tudo o que se refere ao Festival

5.2. São atribuições do Instituto Topofílico e entidades associadas:

a) Elaborar este edital baseado em editais precedentes;

a.a) Fazê-lo de maneira a fomentar este segmento hoje em dia tão movimentado da “economia da cultura” e das artes e Espetáculos, o mecenato corporativo-estatal, cujos aspectos criativos são a elaboração de editais, a distribuição de editais, a espera-Godot pelo resultado dos editais, a formação de grupos que escrevem projetos para editais, o estudo de recursos legais cabíveis a serem adotados pelos não-contemplados em editais etc;

b) Zelar pelo abastecimento e temperatura da cerveja no decorrer do Festival;

c) Propiciar música dançante, de boa qualidade e divertida no decorrer do Festival ;

5.3. Meses após decorridos todos os fatos, será composta uma Comissão Fantasma de Seleção, integrada por notáveis burocratas da cultura;

5.4 A Comissão Fantasma de Seleção será definida por Edital Fantasma de Seleção específico

5.4.1 Maiores informações: www.fcc.sc.gov.br

6. DAS DISPOSIÇÕES GERAIS

6.1. Em caso de chuva o Festival realizar-se-á na sexta-feira seguinte, dia 2 de Outubro;

6.2 Rogamos aos participantes para que, em respeito aos encarecidos apelos de nossos parceiros, proprietários de estabelecimentos na região, e de modo a evitar a inconveniente participação de empata-fodas uniformizados, contentem-se com caixas de som e música de instrumentos não-amplificados;

7. DO FORO

7.1 - O Foro competente para dirimir qualquer dúvida ou litígio oriundo do presente edital ou da contratação dele decorrente será o da Comarca de Antananarivo, Madagascar.

8. E TEMOS DITO

Revogam-se as disposições em contrário.

Antananarivo, entre o inverno e a primavera de 2009.

Franc de Paulicéia

Presidente do Instituto Topofílico

Luis da Gamadessa, Barão de Autopista

Presidente Vitalício da Fundação Gamadessa, da Associação dos Veteranos Fuzilados de Anhatomirim e do Comitê de Conservação do Monumento da Guerra do Paraguay da Praça Quinze de Novembro

Éder Aspas

Artista-Chefe do “Umuarama”-Cobra

Sepé Tiaraju (codinome)

Secretário-Geral da Fração Sepé Tiaraju

G. D.

Líder Póstumo da Societé Chien Andalouz de Boicote ao Cinema Francês